Здесь можно найти учебные материалы, которые помогут вам в написании курсовых работ, дипломов, контрольных работ и рефератов. Так же вы мажете самостоятельно повысить уникальность своей работы для прохождения проверки на плагиат всего за несколько минут.

ЛИЧНЫЙ КАБИНЕТ 

Здравствуйте гость!

 

Логин:

Пароль:

 

Запомнить

 

 

Забыли пароль? Регистрация

 

Повышение оригинальности

Предлагаем нашим посетителям воспользоваться бесплатным программным обеспечением «StudentHelp», которое позволит вам всего за несколько минут, выполнить повышение оригинальности любого файла в формате MS Word. После такого повышения оригинальности, ваша работа легко пройдете проверку в системах антиплагиат вуз, antiplagiat.ru, РУКОНТЕКСТ, etxt.ru. Программа «StudentHelp» работает по уникальной технологии так, что на внешний вид, файл с повышенной оригинальностью не отличается от исходного.

Результат поиска


Наименование:


реферат Русская и зарубежная музыкальная культура

Информация:

Тип работы: реферат. Добавлен: 03.05.2013. Год: 2013. Страниц: 23. Уникальность по antiplagiat.ru: < 30%

Описание (план):


МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ  И НАУКИ 
РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ
 
ФГАОУ ВПО «Казанский (Приволжский) федеральный университет»
Отделение искусств
 
 
 
 
 
Р Е Ф Е Р  А Т
по дисциплине «КВ: Русская и зарубежная музыкальная культура»
 на тему  «ОСОБЕННОСТИ СЦЕНИЧЕСКОГО КОСТЮМА
В СОВРЕМЕННОМ  ТАНЦЕ»
 
 
 
Выполнила:
Студентка 2 курса
Заочного отделения
Группы № 10-11311 (зс)
Гибадуллина Лилия  Анатольевна
 
Проверила:
Преподаватель Салахова Р.И.
 
 
 
Казань – 2013
 
Содержание
 
Введение…………………………………………………………………….. 3
Глава 1. Современный танец………………………………………………. 5
1.1. Направления и стили танца…………………………………………… 7
Глава 2. Сценический костюм в современном танце…………………….12
2.1. Костюм для мюзикла…………………………………………………...15
Глава 3. Свободный танец Айседоры Дункан…………………………….17
Глава 4. Великий новатор – Морис Бежар………………………………...22
Заключение…………………………………………………………………..27
Литература…………………………………………………………………...28
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Введение
Театр, как известно, начинается с вешалки. Для зрителей – с  гардероба, для артистов – с гардеробной  и гримёрки. Любой театр – это  искусство синтетическое, вобравшее  в себя проявления различных видов  искусства. Театр танца – это  и музыка, и пластика человеческого  тела, и, в немалой степени –  эффектная красота сценических  костюмов.
Классический балет был  обязан своему рождению влюблённости в танец французского короля Людовика XIV. А этого монарха не зря называли «король-солнце». Блеском и роскошью своих одеяний (в том числе  и танцевальных) он затмевал всех своих  царедворцев.
Но костюм танцора –  это не просто красивая одежда, он «работает», позволяя лучше выразить и передать зрителю образ, создаваемый артистом на сцене. Вспомните, как подчёркивает классическая пачка лёгкость и воздушность  балерин, как делает она их во время  прыжков какими-то фантастически  невесомыми, просто неземными созданиями. Вместе с тем, такой костюм позволяет  зрителю ясно видеть фигуру танцовщицы – все подробности её отточенной техники, восхитительной в своём  совершенстве.
Иное дело – костюм для  народного танца. Конечно же, такой  костюм также даёт танцору большую  свободу движений, но эффект народного  танца во многом обусловлен национально-историческим колоритом. Народный костюм как бы является мостом из грядущего к современности, и едва танцор в таком костюме  появляется на сцене, как между ним  и зрителями устанавливается  особый, глубинный контакт. И тогда, естественно, впечатление от танца  оказывается намного сильнее, чем  если бы он был исполнен в чём-нибудь повседневном. Ведь в таком случае распадалась бы связь между музыкой  и внешним обликом артиста, исчезала бы цельность образа, которую сценический  костюм призван выражать и усиливать.
Как же работает сценический  костюм в плане подчёркивания  выразительности танца? В момент выхода артиста на сцену костюм позволяет  зрителю в один миг получить представление  о стиле будущего действа. То есть костюм облегчает первичное восприятие танца, помогая зрителю сонастроиться  с артистом. Во время танца костюм позволяет подать танцевальные движения в наиболее эффектном виде, открывая или, наоборот, маскируя тело танцора  в зависимости от стоящих задач. Отдельные элементы костюма помогают делать акцент на лицо (например, яркий цветок в волосах в испанском танце).
Также костюм подчёркивает роль танцора в представлении. Например, одинаковые костюмы танцевального  коллектива показывают равенство и  единство всех участников; а солист будет ещё заметней в особом, отличающемся от прочей труппы, костюме. В любом  случае – костюм работает на общее  действо, являясь одним из важных средств выразительности сценического танца.
Магия танца имеет власть над каждым из нас: кто-то с удовольствием  становится зрителем, а кто-то решает стать профессиональным танцором. Однако и танцоры, и зрители одинаково  восхищаются потрясающей эмоциональностью танцевального искусства, каждый раз, когда появляется возможность соприкоснуться с ним, почувствовать его страсть  и ощутить притяжение ритма, поддаться  влиянию плавных движений и ярких  красок.
Искушённые зрители знают, что то, великолепное шоу, которое открывается им — это только «верхушка айсберга», под которой скрываются многие часы напряженной работы артистов, постановщиков, художников, работников швейного и обувного цехов, бутафаров-декораторов…
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Глава 1. Современный  танец
В последнее время популярность современной хореографии неустанно  растёт. Но, на самом деле, это понятие  существовало всегда. Вот только смысл  в него вкладывали разный. Ведь и  балет в семнадцатом веке был  вполне современным искусством и  это при его каноничности в  наше время.
Современный танец, современная хореография, в современном понимании этого слова, в России развивается всего 15-20 лет, причем без какой-либо поддержки государственных структур. Вспомним для сравнения, что когда современный танец пришел во Францию, министерство культуры выделило специальный грант и были открыты 17 центров современного танца по всей стране, которые позволили подготовить в короткие сроки и своеобразных хореографов и исполнителей и создать целое национальное направление в современном танце. И так же в Англии, Голландии, Швеции. Только у нас – скажем спасибо, что не мешают. Ну что делать – Россия всегда была страной самоучек и талантов! Вот и в современном танце, как считают некоторые официальные чиновники, - они сами выплывут, еще и славу принесут. И выплывают, и приносят. Одно перечисление имен русских хореографов последнего двадцатилетия, которые стали известны и западной публике говорит само за себя. Это и О. Пона, и Г. Абрамов, и А. Сигалова и Е. Панфилов и С. Пепеляев, и А. Духова и многие, многие другие.
Для начала рассмотрим сам  термин «современный танец». Если рассмотреть его с семантической точки зрения – то это означает танец современности, танец, который мы можем наблюдать сейчас. Только вот где? И тут выявляется один из главных признаков – современный танец мы можем наблюдать либо на сцене в качестве зрителя, либо сами его танцевать – в клубах, дискотеках, то есть в быту. Вот именно это – танец для зрителя и танец для себя, приводит к основному разделению современного танца на две группы: танец сценический и танец бытовой, или как его называют на Западе – социальный. И это две большие разницы, хотя именно тут и начинается путаница. «Позвольте!». Могут возразить мне оппоненты, - а как же тот же самый брейк или хип-хоп, который мы видим и в клипах на MTV и на нашей эстраде?» В ответ могу только предложить – «А вы сами станцуйте так же!» Увы, не сможете! Безусловно, бытовые направления танца влияют на танец сценический, и многие хореографы используя лексику бытового танца создавали и создают настоящие шедевры сценической хореографии, но…. Вы заметили как я употребляю слова – хореографы, создают. Вот именно это и есть второй признак, отличающий бытовой танец от сценического – присутствие автора или группы авторов и создание некого продукта, сценического действия, которое предлагается для оценки зрителем. Мы пока не будем говорить как создается зрительская оценка в современном танце, но должны сделать очень важный вывод: есть современный танец бытовой (социальный) и есть танец сценический, который создается автором или группой авторов. Вот именно это различие и предполагает разделение современного танца на тот, который развивается спонтанно, в связи с музыкальной модой и не имеющий авторства и танец сценический, в котором есть автор и который правильно бы было назвать «современная хореография». Потому что слово «хореография» предполагает запись, фиксацию того, что создал балетмейстер. Таким образом, все направления и стили бытового танца – диско, вог, хип-хоп, транс R&B и так далее мы можем смело квалифицировать как социальный танец. Он, безусловно, имеет право быть, развивается и пользуется популярностью. Но достаточно ограниченный период времени.
В настоящее время существуют пять основных танцевальных систем: классический балет, народный танец, джаз танец (и его современная разновидность modern jazz dance), танец модерн и contemporary dance (постмодерн в танце), которые различно отображают действительность в художественной форме сценического хореографического произведения. Пользуясь при этом самобытным выразительным языком и опираясь на собственную эстетику.
 Одновременно существуют  и развиваются стили танцевального  искусства. К ним можно отнести:  бальный (спортивный танец), степ, фламенко, социальный (бытовой) танец.  Эти стили имеют свою лексику,  историю, но в некоторых случаях  не имеют школы воспитания  исполнителей или определенной  эстетической парадигмы. В последние  годы наблюдается множество смешанных  танцевальных форм. Хореографы в  своих постановках стараются  найти что-то новое, необычное,  а поскольку профессиональные  хореографы владеют множеством  танцевальных техник, – то процесс  заимствования и соединения различных  стилей – неизбежен. Можно  сделать вывод, что современный  танец – это многожанровый  и эстетически разноплановый  феномен. 
 
 
 
1.1. Направления и стили танца
      Джазовый танец.
Внутренним слоем формирования джаз танца явился африканский фольклорный танец, африканское театральное искусство, африканские традиции. Во время своего вхождения в музыкально-сценические жанры Америки джаз в основном обслуживал сферу развлечений. Так постепенно происходил уход от бытового джаз танца в сторону сценического и дальнейшей профессионализации. Джазовый танец используется в шоу и ревю, на эстраде, в мюзиклах и кинематографе, в варьете и музыкальных спектаклях. Джазовый танец по своей природе – дивертисментный, т.е. рассчитанный на внешнее восприятие, без излишней интеллектуальной подоплеки, без включения подсознания. Ему чужды идеи и философия танца модерн или изысканная романтичность и возвышенность классического балета. Джазовый танец — танец эмоций, ярких форм, танец энергии и силы.
Самое виртуозное и яркое направление в джаз танце, на сегодняшний день, это стиль флэш. Исполнители этого стиля отличаются силовой выносливостью, необычайной внутренней энергетикой, мгновенностью переходов танцевальных па, сложностью танцевальных и акробатических трюков.
Более всего джаз в его  первоначальном виде выражен в стритджазе или фанки-джазе. Уличный джаз претерпел меньше всего изменений. Все современные молодежные направления танца: брейк, хаус, гоу-гоу — это проявления джазового танца в социальном танце.
Еще одно направление – соул или блюз-джаз. Это название распространено в основном среди вокалистов как музыкальное направление, а в танцевальном варианте характеризуется большим количеством движений на единицу темпа, выполняемых очень мягко без видимого напряжения. Движения исполняются с максимальным растягиванием их во времени, то есть с использованием ферматы.
Этно-джаз. К этому направлению относятся не только афроджаз и «латина», то есть те стили джазового танца, которые импортированы из США, это еще и соединение джазового танца с народным русским танцем. В настоящее время на эстраде мы видим достаточно много номеров, которые используют лексику русского танца, но исполняются эти номера под современную музыку, имеющую джазовые интонации.
 Развитие джазового  танца привело к появлению  не только различных стилей  в социальном танце, не только  к развитию театрального джаза,  но и к многообразию различных  джазовых техник, которые имеют  именное происхождение, то есть  создавались известными педагогами  и хореографами. Среди наиболее  популярных техник джазового  танца второй половины XX века  – техники Г. Джордано, Луиджи и М.Меттокса.
    Танец модерн.
Танец модерн возник в начале XX века как направление, противопоставляемое классическому балету. Он получил развитие, прежде всего в Соединенных Штатах и Германии и выражал эстетические принципы искусства начала XX века. Это были экспериментальные поиски творческого самовыражения индивидуальности художника, в борьбе против условностей, формализма, тривиальности классического танца. Каждый хореограф в танце модерн ставил цель спровоцировать зрителей к новому пониманию внутренних или внешних фактов реальности, отраженных через форму танца. Общим для представителей танца модерн, независимо от того к какому течению они принадлежали и в какой период создавали свою концепцию творчества, было намерение создать новую хореографию, отвечавшую, по их мнению, духовным потребностям человека нового времени. Основными принципами этой хореографии являлись: отказ от канонов, воплощение новых тем и сюжетов, оригинальные лексическо-пластические средства.
Само слово «модерн» означает «новый, современный», конечно в  настоящее время эта танцевальная система отличается от того, что  существовало в начале прошлого столетия. Термин «танец модерн» появился в  США для обозначения сценической  хореографии, отвергающей традиционные балетные формы. Войдя в употребление, он достаточно быстро вытеснил другие термины, которые возникли в начале XX века (свободный танец, танец босоножек, ритмопластический танец, выразительный, экспрессивный танец, новый танец  и т.д.). То, что сейчас понимается под термином «танец модерн», можно  выразить как концентрацию хореографа или исполнителя не только на движениях  тела, но и на ощущениях, возникающих  в процессе танца, на душевном состоянии, которое они вызывают. Танец модерн иногда называют «танцем для головы», «философским танцем».
 Углубляясь в историю,  необходимо отметить, что танец  модерн возник как авторский  т. е. он ничего не заимствовал  ни из фольклорного, ни из бытового  танцев, он не имеет аналогов  в прошлом. И основатели танца  модерн — А. Дункан, Л. Фуллер, Р. Сен-Дениз, М. Грэхем, Д. Хэмфри, Т. Шоун, Э. Тамарис, Х. Хольм создали индивидуальный стиль выражения своих мыслей и эмоций через движение. В дальнейшем практически каждый из этих хореографов и исполнителей создавал собственную школу.
В танце модерн существенным является попытка выстроить связь между формой танца и внутренним психологическим состоянием исполнителя или хореографа. Большинство направлений танца модерн сформировалось под влиянием какой-либо философской идеи или определенного видения мира. Движение не может родиться из ничего, внутреннее оправдание внешней выразительности – одна из основополагающих идей этого направления в хореографии.
Постмодерн.
С конца 50-х годов XX века возник и до сих пор развивается постмодернизм, в том числе в искусстве  танца. Постмодернистский танец интернационален, ибо вбирает в себя элементы танцевального искусства Востока, свободный и пластический танец, приемы фольклорного танца американских индейцев, афрокарибскую танцевальную технику, неоклассические принципы танцевальной эстетики. Используются элементы йоговской медитации, античной телесной фактурности, сближение с бытовой пластикой, чувственная раскрепощеность, гротесковость, хаотичность. Все это создает некий новый имидж танцевального искусства как квинтэссенции культур. Многие принципы «тотального театра» П. Брука и Е. Гротовского оказались востребованными современным танцем. Само по себе обращение к различным формам пластики, в которых заключены неосвоенные возможности человеческого тела, выходящие за пределы классического балета, дает интересные результаты.
Контемпорари.
В 70-е годы в Европе возникает  термин «contemporary dance». А с ним и право на дилетантизм. Контемпорари — одно из новых направлений современного танца, который сочетает в себе как элементы западного танца (классический танец, джаз-модерн), так и восточное искусство движения (цигун, йога, тайцзи цюань). Причём это тот танец, который не имеет определённой формы стиля, потому что главное в нём — самовыражение.
Режиссер и хореограф Ян Фабр, не выучивший в жизни ни одного танцевального па, стал идеологом бельгийского contemporary dance. Танцем занялись представители самых разных профессий — от актеров и философов до физиков и садовников. Нет в современном танце и четких требований к физическим данным исполнителя. Француз Ф. Декуфле, а за ним и Ж. Монтальво ввели в танец элементы балагана, цирка, паноптикума, в которых гротесковая или даже уродливая внешность артиста только приветствуется.
 В contemporary dance важна, прежде всего, личность исполнителя, которая преломляется сквозь призму принципов: «я сегодня здесь и сейчас», «мои страхи, мои протесты, мои бунты – сегодня и сейчас». В современном танце аутентичность и авторство всегда под вопросом. Многие хореографы пытаются найти конфликт между имиджем и реальностью, информацией, получаемой извне, с информацией, получаемой изнутри.
Танец эпохи постмодерна лишен единства стиля и эстетики. Он похож на запутанное здание с множеством по-разному обставленных комнат. Это не только постмодернистский танец в Америке с его направленностью в «абстрактный танец» и эксперименты со сценическим пространством; не только европейский балет, больше склоняющийся к «театру танца» П. Бауш; многие направления, труппы и хореографы, которые не похожи в своем творчестве ни на кого из предшественников. Многообразие форм современного танца настолько велико, что трудно предугадать, в каком направлении пойдет его развитие. Невозможно отрицать и воздействие классического балета. Когда закончилось противостояние танца модерн и классического балета (об этом говорит постановка «Эпизодов», осуществленная в 1959 году совместно М. Грэхем и Дж. Баланчиным), эти две главные эстетические концепции танца стали во многом ближе друг другу. Творчество М. Эка, И. Килиана, У. Форсайта, Х. Ван Манена органично соединяет классический танец и современные танцевальные техники.
Возможно создать некую эстетическую доктрину танца в эпоху постмодерна, которая основывается на следующих принципах:
    - современный танец лишен единства стиля и эстетики,
    - основа творчества - личность исполнителя, которая преломляется сквозь призму принципа: «я сегодня здесь и сейчас». В современном танце аутентичность и авторство всегда под вопросом,
    - танцевальное пространство формируется как транскультурное и транснациональное,
    - наибольшее место в танце занимает экзистенциальная и психологическая тематика,
    - обращение к различным танцевальным стилям и техникам, в которых заключены неосвоенные возможности человеческого тела,
    - произведение хореографа никогда не является первичным, оно существует только как сеть аллюзий на другие произведения, как совокупность цитат.
 
 Н. Кюрюмова, известный театральный критик, специально для вестника фестиваля «TANZ диалоги», прошедшего в Екатеринбурге в 2006 году сформулировала эстетические особенности современного танца. Она пишет: «Современный танец - это искусство, которое является принципиально авторским, индивидуальным. Оно принадлежит сфере неклассического, той сфере искусства и вообще, человеческой мысли, которая отвергает наличие каких-либо эталонов, образцов, стандартов и моделей и делает ставку на индивидуальность автора, создающего свой собственный автономный художественный мир. Не ставит понятие идеала и красоты во главу угла. Скорее стремиться к точному регистрированию современного состояния мира – и человека в нем».
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Глава 2. Сценический  костюм в современном танце
Историческая эволюция конструкции  танцевального костюма - от бытовых форм к высокопрофессиональным - высвечивает довольно ясную тенденцию - стремление к максимальному выявлению (обнажению) кинетики самого телосложения танцовщика, что приводит к использованию трико, купальника, комбинезона, майки.
 Эта тенденция подкрепляется  тягой профессионального танца  к абстрактности, к раскрытию  выразительности именно в сложной  и тонкой кинетике движений, а  не в потоке контактных или  актерских построений.
 Выразительную структуру  танцевального костюма определяют:
    конструкция формы (объемы, линии, фасоны);
    фактура материала (легкая, тяжелая, жесткая, мягкая, прозрачная, плотная, гладкая, ворсистая и т. д.);
    цвет, тон материала (ахроматический, хроматический, теплый, холодный, светлый, темный, яркий, бледный и т. п.);
    освещение, способность выглядеть на свету (освещение дневное, искусственное, полное, частичное, цветное и т. д.).
 Проект танцевального  костюма должен отвечать характеру  лексики танца, ее образному  строю и действию, а также характеру  музыкальной звучности (спокойному, резкому, страстному и пр.), влиять на танцевальную образность.
Прошли те времена, когда  артисты были вынуждены шить костюмы  для танцев собственными силами. Сейчас качественную танцевальную и концертную одежду можно заказать профессиональному  дизайнеру, который в состоянии  воплотить в жизнь любые, даже самые смелые, идеи.
Профессиональные концертные костюмы – это совершенно особый вид индивидуального пошива на заказ. На Западе существуют специальные магазины, где продаются концертные костюмы  созданные в единичном экземпляре. Стоит, правда, такой концертный костюм как приличная иномарка. У нас  концертные костюмы звезды шьют исключительно  на заказ и исключительно у  проверенных дизайнеров.
Когда вы размышляете о  костюме, первым делом надо подумать:
        о том, что вы будете с ним делать
        об образе, который вы хотите создать
      о танце, который вы будете танцевать
        о том, когда следует надевать костюм
        о месте вашего выступления (в помещении или на свежем воздухе, на сцене или где-то еще?)
 Вы будете выступать  с сольным номером? Тогда у  вас большая свобода действий, потому что придется думать  только о ваших размерах, форме,  оттенках и стиле. 
 Необходимо помнить  и о том, что на образ накладывает  отпечаток сама ваша сущность. Вглядитесь в себя, определите, кого  вам лучше играть. Вы – властная  и сильная женщина, или женщина  неземной грации, волшебная и  таинственная особа? Вы двигаетесь, чувствуете себя и выглядите  лучше, если облачены в антураж  какого-то определенного стиля,  или если ваша одежда направлена  на создание конкретного образа.
 Важной частью вашего  «образовательного процесса» является  изучение вашего танца и размышления  над тем, что он будет собой  представлять, если вы наденете  тот или иной костюм.
 Важно помнить, что  некоторые костюмы делаются специально, чтобы демонстрировать в них  те или иные движения в их  наилучшем виде; а некоторые движения  разрабатываются под тот или  иной костюм.
 Следует одеваться  так, чтобы выставить себя в  выгодном свете. Костюм должен  дополнять индивидуальный стиль,  соответствовать личности и типу  тела.
 Костюм – это один  из каналов передачи послания. Вы должны узнать, как зритель  воспринимает тот или иной  костюм, и одеться так, чтобы  передать сообщение без погрешностей. Например, если костюм с малым  количеством ткани у вашего  зрителя означает «секс», добавьте  этники – и обучайте его!  Вы просвещаете своего зрителя.
Что делает танец  зрелищным?
На сегодняшний день танец  является тем видом искусства, которое  способно превратиться в настоящее  шоу, спектакль и мистерию. Именно такие зрелищные представления  нравятся публике больше всего и  заставляют смотреть их на одном дыхании.
Подобные выступления  танцовщиков создаются с помощью  фееричных костюмов, яркого сценического грима, необычного освещения и различных  спецэффектов, которые способствуют тому, чтобы они надолго остались в памяти и стали предметом восхищения.
Сочетание цветов.
 Костюм может быть  выдержан в одной тональности,  а может состоять из контрастных  цветов. Красивые, яркие сочетания:  красный и белый, фиолетовый  и желтый, голубой и белый, черный  или фиолетовый с золотом, синий  или белый с серебром. Не бойтесь  взять те цвета, которые вы  никогда не одеваете в обычной  жизни. Вместе с ярким, красочным  костюмом мы переходим в восточную  сказку, где царят солнце, блеск,  и радуга, и где нет места  обычным сдержанным тонам и  эмоциям. Лиф и пояс - основная  часть костюма, которая требует  80% финансовых и трудовых затрат. Этот комплект часто делают  с использованием двух основных  цветов. И тогда можно сначала  сшить юбку и платок одного  цвета и потанцевать в таком  костюме, а затем сшить новую  юбку с платком из дополняющего  цвета - и получить практически  новый костюм.
Сценический макияж — еще одна важная составляющая танца. Уместный, яркий и характерный сценический макияж имеет огромное значение — он должен создать или дополнить образ, который необходимо передать в танце. Для этого необходимо:
1. Изучить тему, в которой  он должен быть выполнен.
 Например, если ставится  японский танец, то требуется  нанесение белого грима на  лицо.
2. Делать равномерный  акцент на губы, глаза и брови.
 Такой макияж помогает  более четко показать эмоции (печаль, радость, злость и т. д.) и  привлечь должное внимание зрителей.
3. Тщательно подбирать  оттенки для грима, которые  должны гармонировать со сценическим  костюмом и оттенком кожи и  волос танцовщика.
Освещение и спецэффекты.
Свет играет очень важную роль в постановке танца, раскрытии  его сюжетной линии и создает  нужное настроение для восприятия происходящего  на сцене. Также освещение подчеркивает кульминационные и самые интересные моменты. Все лучшие продюсеры знают, что зрителя «заводят» не только люди на сцене, но и сама сцена в правильном световом оформлении.
Но особое место занимает использование различных спецэффектов. Искусственный снег, поток мыльных  пузырей, звезды и лучи, конфетти, цветной  серпантин, огненные фонтаны, которые  поднимаются в небо в доли секунд — все это заставляет учащенно биться сердце и наслаждаться происходящим на сцене.
Ярким примером использования  всех составляющих танца, превращающих обычный танец в зрелище, является шоу-балет «Тодес» - руководитель А. Духова. Яркие, стильные, дизайнерские костюмы, превосходный макияж и сценические спецэффекты завораживают зрителя и держат его во внимании и восторге вот уже 25 лет!
2.1. Костюм для  мюзикла
Костюм для мюзикла должен соответствовать замыслу режиссера-постановщика. Но поскольку данный жанр предполагает постоянное движение, танец, значит, требует и специального кроя костюма. Например, в мужские блузы, пиджаки и даже фраки обычного кроя в рукав и в боковой шов необходимо вставлять ластовицу для большей свободы движения. Не должны стеснять движения и юбки, поэтому их не следует делать слишком длинными и узкими. Очень осторожно нужно использовать крой «полусолнце», особенно на шелковой или любой другой летящей ткани, так как во время танца ткань может опутать ноги артистки и привести к травме. Очень хороши в эксплуатации мини юбки с двумя разрезами, крой «годе», юбки из энного количества клиньев. Не следует забывать при пошиве о такой важной детали, как передатчик микрофона - небольшой коробочки, крепящейся на теле актера в районе груди - талии. Сегодняшние размеры ее 10x6x3см. Следует выстраивать и кроить костюм таким образом, чтобы этот предмет не деформировал внешний силуэт костюма.
 Что такое быстрое  переодевание может рассказать  любой костюмер. Но если в обычном  спектакле можно подержать паузу,  вставить реплику, то в мюзикле  на быстрое переодевание отводятся  секунды, потому что нельзя  сыграть два лишних такта, не  записанных в партитуре. К костюму  это имеет самое прямое отношение.  Для ускорения переодевания сейчас  широко используют «липучки»  (естественно, потайные). На них  застегивают даже мужские рубашки,  галстуки...
 Как уже было сказано,  мюзикл - это движение. Поэтому все  детали костюма должны быть  основательно закреплены. А некоторые  украшения, как бы это не  хотелось художнику, например, бусы, использовать просто опасно. Не  трудно догадаться, чем грозит  при степе попавшая под ногу  бусина. Поэтому лучше использовать  бусины, прочно наклеенные на  специальную полоску или заменить  их чем-то другим.
 И конечно, костюм  должен быть сшит из гигроскопичных  материалов, желательно натуральных  или, хотя бы, на натуральной  подкладке, легко чиститься, легко  стираться. Сейчас в мюзиклах  и особенно эстрадных представлениях, свет завоевывает основные позиции.  Разноцветные лучи буквально  заполняют сцену, часто заслоняя  актера. Художник-постановщик и художник  по костюму должны помнить  о «коварности» света. Неверно  подобранный по цвету костюм  светом можно «вытащить» а  можно и погубить. Особенно осторожно  следует обращаться с белой  тканью, так как при свете белый  цвет становится очень интенсивным  и неверно используемый в костюме  может переставить драматургический  акцент и даже нарушить замысел  спектакля. Осторожным нужно быть  и с бархатом, он тоже поглощает  свет. Костюм из ткани яркого  интенсивного голубого цвета,  например, при освещении его голубым  «дневным» светом на сцене  станет не столь ярким, посереет, погаснет. И вообще следует учитывать,  что, практически, любой цвет  костюма на сцене становится  на тон, а то и на два  светлее. Черное платье в темной  сцене может исчезнуть. С каждой  тканью и с каждым цветом  художник должен работать очень  осторожно, учитывая все их  свойства.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Глава 3. Свободный  танец Айседоры Дункан
Свободный танец – что это? С момента его рождения прошло более века, и мы уже смутно представляем, что стояло за этими словами для наших предшественников. Перед глазами возникают изображения то ли девушек в греческих туниках, то ли танцующих на лужайке детей... Откуда-то из глубины всплывают полузабытые, принадлежащие другой эпохе слова – "босоножки", "пластички", "дунканистки". Наконец, возникает образ самой создательницы свободного танца, Айседоры Дункан (1877-1927). На своем первом выступлении в Цюрихе в 1916 году великая немецкая танцовщица и хореограф Мэри Вигман танцевала не музыку, а текст. Этим текстом была "Песнь-пляска", ее любимая глава из книги Ницше "Так говорил Заратустра". "Да, я провозвестник молнии, я тяжелая капля из тучи: но молния эта – сверхчеловек", - пел Заратустра. Его устами Ницше пророчествовал о рождении нового человека – того, кто будет неизмеримо сильнее, мудрее и прекраснее человека нынешнего. Современники Ницше – как мужчины, так и женщины – поверили и разделили его мечту о новом человеке. Книга Ницше стала, без преувеличения, самой популярной работой, когда-либо вышедшей из-под пера философа. Ставший в наши дни одним из самых влиятельных направлений в пластическом искусстве, современный танец тесно связан с движением за женскую независимость. Скажем больше: он вряд ли бы мог без этого движения реализоваться. Его создателями были выдающиеся женщины – Айседора Дункан, Мэри Вигман, Марта Грэхем. И они же были признанными борцами за освобождение женщины. Дункан, Вигман и Грэхем, ка
и т.д.................


Перейти к полному тексту работы


Скачать работу с онлайн повышением оригинальности до 90% по antiplagiat.ru, etxt.ru


Смотреть полный текст работы бесплатно


Смотреть похожие работы


* Примечание. Уникальность работы указана на дату публикации, текущее значение может отличаться от указанного.