На бирже курсовых и дипломных проектов можно найти образцы готовых работ или получить помощь в написании уникальных курсовых работ, дипломов, лабораторных работ, контрольных работ, диссертаций, рефератов. Так же вы мажете самостоятельно повысить уникальность своей работы для прохождения проверки на плагиат всего за несколько минут.

ЛИЧНЫЙ КАБИНЕТ 

 

Здравствуйте гость!

 

Логин:

Пароль:

 

Запомнить

 

 

Забыли пароль? Регистрация

Повышение уникальности

Предлагаем нашим посетителям воспользоваться бесплатным программным обеспечением «StudentHelp», которое позволит вам всего за несколько минут, выполнить повышение уникальности любого файла в формате MS Word. После такого повышения уникальности, ваша работа легко пройдете проверку в системах антиплагиат вуз, antiplagiat.ru, etxt.ru или advego.ru. Программа «StudentHelp» работает по уникальной технологии и при повышении уникальности не вставляет в текст скрытых символов, и даже если препод скопирует текст в блокнот – не увидит ни каких отличий от текста в Word файле.

Результат поиска


Наименование:


реферат Поп-арт в американском искусстве

Информация:

Тип работы: реферат. Добавлен: 18.07.2012. Сдан: 2011. Страниц: 5. Уникальность по antiplagiat.ru: < 30%

Описание (план):


Министерство  образования и науки РФ
Иркутский Политехнический Колледж 
 
 
 
 
 
 

Реферат
на тему:
«Поп-арт  в американском искусстве» 
 
 
 
 
 

Выполнил: ст. гр. 331
Сафина  Е. Р.
Проверил: Кочмина Т. Н. 
 
 

Иркутск, 2010 

Содержание
    Введение………………………………………………………………………………….3
    Формирование поп-арта………………………………………………………………....4
    Поп-арт в искусстве США………………………………………...….……....………....5
    Знаковые фигуры поп-арта……………………………………………………………...7
    Заключение……………………………………………………………………………..12
    Литература………………………………………………………………………….…..14
 
 


Введение
                                                                                                                                                                                                                                                                                                    
   После окончания Второй мировой войны в искусстве продолжалось наступление модернизма в самых различных его проявлениях (некоторая усталость от модернистских экспериментов наметилась лишь в конце 80-х годов). Многочисленные направления в искусстве открывали новые техники и новые материалы.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                       
   С середины 60- хх г. центр изобразительного искусства переместился из Европы в США. Художники – бунтари стали стремится за океан, как ранее они приезжали в Рим, а потом в Париж для получения всемирной признательности. Первым ярким явлением искусства Нового Света стал абстрактный экспрессионизм, расцвет которого пришелся на 1950-е годы. Вокруг группы молодых нью-йоркских художников сложилось течение, которое впервые имело чисто американские корни, и притом оказало серьезное влияние на живописцев других стран. Среди лидеров этого движения были Джексон Поллок (1912-1956), Уиллем де Кунинг (1904-1997) и Марк Ротко (1903-1970). Абстрактные экспрессионисты отказались от формальной композиции и изображения реальных объектов, дабы сконцентрировать внимание на инстинктивной организации пространства и цвета и передать эффект физического действия, присутствующего в процессе создания полотна.
    Однако следующее поколение американских художников предпочло переход от возвышенности художественного образа в авангарде к его «заземлению» и даже «банализации» в художественной практике поп-арта. Возникновение этого явления искусства стало следствием утверждения «общества потребления», где все продается и покупается – пока Европа приходила в себя после войны, мир стал свидетелем экономического триумфа Соединенных Штатов. В искусстве поп-арта происходит возвращение к реальности. Поп-артисты интересовались реалиями современного мира: машинами, мультипликацией, фотографиями из иллюстрированных журналов, звездами эстрады и кинематографа. И, хотя направление «поп-арт» зародилось в Англии, настоящее развитие оно получило в Соединенных Штатах. Именно там Энди Уорхол (1929-1987) использовал в своих произведениях некоторые техники, характерные для общества потребления, например, рекламу и серийное производство. Его творчество показывало, что искусству грозит опасность стать таким же товаром, как и любой материальный предмет. И при этом он подчеркивал, что воспроизведение образов ведет к их затаскиванию и опрощению, а заканчивается это разрушением изображенных предметов или персонажей. Энди Уорхолл, Ларри Риверс и Рой Лихтенштейн – сатирически воспроизводили объекты повседневного быта и тиражировали образы, созданные американской поп-культурой: бутылки из-под кока-колы, банки из-под супа, комиксы.
    Рассмотрим истоки и характерные черты этого масштабного явления искусства второй половины  XX века и обратимся к крупнейшим представителям поп-арта в США.
  
                                                                                                                                              
 Формирование поп-арта
                                                                                                                                                                                                                                                                                 
    После Второй мировой войны ведущим направлением в американском искусстве стала беспредметная живопись. Главное внимание уделялось живописной поверхности самой по себе; она рассматривалась как арена взаимодействия линий, масс и цветовых пятен. Наиболее значительное место занял в эти годы абстрактный экспрессионизм. Он стал первым течением в живописи, возникшим в США и имевшим международное значение. Лидерами этого движения были Аршил Горки (1904–1948), Виллем де Коонинг (Кунинг) (1904–1997), Джексон Поллок (1912–1956), Марк Ротко (1903–1970) и Франц Клайн (1910–1962). Одним из интереснейших открытий абстрактного экспрессионизма явился художественный метод Джексона Поллока, который капал красками на холст или бросал их для получения сложного лабиринта динамичных линеарных форм. Другие художники этого направления – Ханс Хофманн (1880–1966), Клайфорд Стилл (1904–1980), Роберт Мазеруэлл (1915–1991) и Хелен Фрэнкентэлер (р. 1928) – практиковали технику окрашивания холстов. Еще один вариант беспредметного искусства представляет живопись Джозефа Альберса (1888–1976) и Эда Рейнхарта (1913–1967); их картины состоят из холодных, точно просчитанных геометрических форм. Среди других художников, работавших в этом стиле: Элсворт Келли (р. 1923), Барнетт Ньюман (1905–1970), Кеннет Нолэнд (р. 1924), Фрэнк Стелла (р. 1936) и Эл Хелд (р. 1928); позднее они возглавили направление опт-арт.
   В конце 1950-х годов против беспредметного искусства выступили Роберт Раушенберг (р. 1925), Джаспер Джонс (р. 1930)и Ларри Риверс (р. 1923), работавшие в смешанных техниках, в том числе, в технике ассамбляжа. Они включали в свои «картины» фрагменты фотографий, газет, афиш и другие предметы. В начале 1960-х годов ассамбляж породил новое движение, поп-арт.
   Термин «поп-арт» происходит от англ. pop art, сокращение от popular art, – популярное, общедоступное искусство. Второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект.
   Поп-арт зародился в Англии. В 1952 при Институте современного искусства в Лондоне несколько критиков, художников и архитекторов образовали «Независимую группу», изучавшую современные технологии и городскую народную культуру. Художники Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци начали заниматься изучением «имиджей» (обликов) массового искусства. К феномену «массовой культуры» применялись различные методы исследования – от лингвистического (семиотика) до психологического (теория игр). Исследования проводились на основе американской культуры, к которой члены группы испытывали смешанные чувства иронии и восхищения. Ричард Гамильтон и Эдуард Паолоцци создавали композиции-коллажи из наиболее популярных тем печати и рекламы новых промышленных изделий. Самая знаменитая картина-коллаж Р.Гамильтона «Так что же делает современные дома столь необычными, столь привлекательными?» впервые продемонстрированная в 1956 году на выставке под названием «Это – завтра». Данное произведение становится классическим, программным произведением английского поп-арта. Оно представляет собой монтажное объединение вырезок из «цветных» журналов. Интерьер дома среднего потребителя, который начинен предметами комфорта с рекламных страниц: это и магнитофон, и телевизор, естественно газета, на стене вместо картины увеличенный фрагмент комикса. За окном виден кинотеатр. Центральная мужская фигура вырезана из рекламы культуризма, обнаженная женская тоже явно из какого-то журнала. Образ реального мира вытеснен скоплением фиктивных имиджей масс-культуры. Выбирая метод коллажа, автор демонстрирует свою «непричастность» к созданному образу, так как он сознательно фиксировал готовые изображения, не интерпретируя их.
   Один из членов группы, критик Лоуренс Аллоуэй, для обозначения нового явления изобразительного творчества предложил термин «поп-арт». Выставка «Это – завтра» состояла из фотографий голливудских кинозвезд и кадров из фильмов, увеличенных до размера киноэкрана. После выставки к группе примкнули выпускники Колледжа изящных искусств: Питер Блейк, Рональд Китай, Дэвид Хокни и др. Из интеллектуалов-исследователей художники постепенно превращались в апологетов массовой культуры, проповедников не только новой эстетики, но и нового образа жизни, основанного на анархических идеалах свободы, новых принципах морали и рок-музыке. Так, альбом Битлз 1967 года «Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера» оформлял П.Блейк, а обложку «Белого альбома» (1968) создал Р.Гамильтон.
   Товарный фетишизм и идеология равных возможностей в США приводят к тому, что с конца 1950-х поп-арт (здесь его сначала называли «неодада») получает широкое распространение в американском искусстве.
                                             
Поп-арт в  искусстве США 

   После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например, употребление Coca-cola или Levi’s джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек, используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Так формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами.
   Поп-арт воплотил в себе творческие искания новых американцев, которые опирались на творческие принципы Дюшана. Это: Джаспер Джонс, К. Олденбург, Энди Уорхол и другие.
   Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф).
   Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции.
   Уорхол отмечал, что «поп-арт поменял внутреннее и внешнее местами. Поп-артисты создавали образы, которые любой человек, идущий по Бродвею, узнавал в ту же секунду – комиксы, столы для пикника, мужские штаны, знаменитости, занавески для душа, холодильники, бутылки кока-колы – все те великие вещи, которые абстрактные экспрессионисты изо всех сил старались вовсе не замечать.
    Поп-арт использовал то, что уже есть, и, более того, что набило оскомину, стало привычным: готовое изделие (ready made – термин введенный в 1912 Марселем Дюшаном, означал изделие массового производства, выставленное в качестве произведения искусства) – настоящие консервные банки, бутылки, ящики, флаги, которые вовлекались в комбинации или подборки (ассамблажи) с другими настоящими предметами, рисованными или живописными элементами; фотографии; газетные или журнальные иллюстрации; кинокадры.
   Раушенберг, Уорхол вводили предметы «массовой культуры» в картину как прямую цитату: в виде коллажа или фотовоспроизведения. Раушенберг разработал жанр комбинированных картин, в которых живопись в духе абстрактного экспрессионизма соединялась с реальными предметами. В начале 1960-х в этом жанре начал работать Том Вессельман, сочетавший плоскостное изображение натурщиц с реальным антуражем ванных комнат («Великая американская обнаженная»). Весселман, начинавший как карикатурист; Розенквист, который в юности раскрашивал уличные вывески, имитировали композиционные приемы и живописную технику рекламных щитов. Лихтенштейн увеличивал картинку комикса полумеханическими способами до размеров большого полотна. Олденбург создавал пластические подобия витринных муляжей огромного размера в самых неожиданных материалах; Джонс – муляжи флагов, географических карт, мишеней в технике энкаустики (краски на восковой основе).
   При столь различном подходе общим являлось то, что заимствованный «имидж» массовой культуры помещался в иной контекст, изменялся масштаб, материал, обнажался прием или технический метод, выявлялись информационные помехи (дефекты фотоснимка или оттиска). В связи с этим первоначальный образ парадоксально преобразовывался и иронически перетолковывался.
    Соединение фрагментов различной печатной продукции в одном произведении стало одним из главных приемов поп-арта. Первым переработал жанр коллажа Раушенберг, превратив его в композиционный прием своих шелкографий. Затем в этой технике работал Уорхол. Шелкография давала возможность легко тиражировать одни и те же образы: «Вы берете фотографию, увеличиваете ее, переносите ее при помощи клея на шелк, а затем прогоняете через него краску так, чтобы она проходила сквозь шелк, но не сквозь клей. Таким образом, вы получаете тот же образ, но каждый раз немножко иной. Все это так просто – быстро и случайно» (POPism: The Warhol Sixties). Тираж одной шелкографии мог составлять до 300 экземпляров.
   Выставочные залы США стали похожи на выставки поделок самодеятельных кружков народных умельцев и изобретателей, ведь техника поп-арта была исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на полотно фотографий и слайдов, опрыскивание с пульверизатора, комбинирование рисунка с кусками предметов, и т.д. Критика относилась к такому искусству по-разному: одни говорили о вырождении искусства или, на худой конец, обновленной форме натурализма, другие говорили о новом этапе в развитии искусства, называя поп-арт «новым реализмом» или «сверхреализмом». Многие отмечали на Международных эстетических конгрессах депрофессионализацию многих современных художников.
   Демократизм поп-арта критики отмечали в том, что зритель может стать героем произведения, если он входит внутрь него, присаживается на нем отдохнуть или видит свое отражение в зеркале, то есть принимает участие в той игре, которую ему предлагают. 

Знаковые фигуры поп-арта  

    Роберт Раушенберг (англ. Robert Rauschenberg, 22 октября 1925 – 12 мая 2008) – представитель абстрактного экспрессионизма, а затем концептуального искусства и поп-арта. В своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда. Использовал мусор и различные отбросы.
   Внук немецкого иммигранта и индианки из племени чероки. Учился в Художественном институте в Канзас-Сити, затем в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине. В 1949 Раушенберг поселился в Нью-Йорке.
   Составление произведения искусства из не имеющих друг к другу отношения элементов, одним из которых является краска, глубоко укоренилось в современном искусстве. Комбинации Раушенберга отражают темп развития и энергию массовой урбанистической и технократической культуры, в которой на смену работе художника на бумаге или холсте пришли потоки информации, передаваемой посредством фотографии, компьютеров, газет и т.п.
   Ранние работы Раушенберга были попыткой избавиться от стереотипов «живописного метода» и возвышенных целей традиционного искусства. Например, он стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Стертый де Кунинг».
   В 1951 в галерее Бетти Парсонс состоялась первая персональная выставка работ Раушенберга, на которой были продемонстрированы исключительно одноцветные картины. Критики дружно заявили об этой выставке как о провалившейся.
   В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления поп-арт, используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта – газетные фотографии, кусочки ткани, дерева, консервных банок, трава, чучела животных. Он насыщал ими композиции до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.
   Две ключевые работы Раушенберга – «Кровать» (1955) и «Монограмма» (1955-1959). Первая из них представляла собой настоящую кровать Раушенберга, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина; второй коллаж был украшен чучелом ангорской козы.
   На выставке в Нью-Йорке в 1963г. художник рассказывал о создании «Кровати». Он проснулся ранним майским утром, полный желания приняться за работу. Желание было, но не было холста. Пришлось пожертвовать стеганым одеялом – летом можно обойтись и без него. Попытка забрызгать одеяло краской не дала желаемого эффекта: сетчатый узор стеганого одеяла забирал краски. Пришлось жертвовать подушкой – она давала белую поверхность, необходимую для выделения цвета. Других задач художник перед собой не ставил.
   В конце 50-х появились первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении. В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (например, парашютист, орел, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х. Одновременно Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой («Черный рынок», 1961) и занимался оформлением представлений.
   В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы. Он стремился выразить ложность и многослойность существования современного индустриального общества.
   Прорыв художника на международный уровень произошел в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию. Ватикан высказался об «упадке культуры»; и все же присуждение первого места представителю поп-арта окончательно утвердило официальное признание этого направления. Это признание выгодно сказалось и на доходах Раушенберга: цены на его работы подскочили в несколько раз.
   В 1966 Раушенберг совместно с инженером Билли Клювером основал общественное учреждение, в котором хотел объединить науку и искусство. Появившиеся вслед за этим работы художника отмечены влиянием технического направления среди них можно назвать так называемые револьверы, работы с вращающимися плексигласовыми стеклами.
   В 1969 Раушенберг по приглашению НАСА посетил Центр космических исследований Кеннеди и создал после этого обширную серию из тридцати трех литографий под общим названием «Окаменевшая Луна».
  В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов
  Рой Лихтенште?йн (Roy Fox Lichtenstein; 27 октября 1923 – 29 сентября 1997) родился в Нью-Йорке. До 12 лет обучался в общеобразовательной школе, а после поступил в Манхеттенскую школу Франклина для мальчиков, в которой он и завершил свое среднее образование. После Лихтенштейн уезжает из Нью-Йорка в Огайо для обучения в местном университете, в котором читались курсы по искусству. После окончания университета он оставался там преподавать. В 1949 г. Лихтенштейн получил степень Магистра Изящных на факультете Университета штата Огайо. В 1951 состоялась его первая персональная выставка в галерее «Carlebach» в Нью-Йорке. В том же году он переехал в Кливленд, где жил в течение последующих шести лет, иногда возвращаясь в Нью-Йорк. Стиль его работ в это время менялся от кубизма до экспрессионизма. В 1957 году он переехал обратно в Нью-Йорк и вернулся к преподавательской деятельности. В 1960 году он начал преподавать в университете Ратгерс, где попал под значительное влияние Аллана Капрова. Это способствовало увеличению его интереса к образам прото-поп-арта. В 1961 году Лихтенштейн сделал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологию, пришедшую из промышленной печати.
   Успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики. Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шелкографию. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма.
   Р. Лихтенштейн – это один из весёлых художников. Для своих сюжетов он использует картинки комиксов. Как и предположение, вырванное из контекста, эти картинки кажутся не особенно умными, но в них художник говорит о любви, человеческих отношениях.
   Джа?спер Джонс (англ. Jasper Johns, род. 15 мая 1930) вырос в городке Аллендэйл (Южная Каролина) и, описывая этот период своей жизни, он сказал: «В месте, где я вырос, не было художников и искусства, я, действительно, не знал, что это такое». Джонс некоторое время учился живописи в университете Южной Каролины, затем он переехал в Нью-Йорк, где познакомился с Робертом Раушенбергом, от которого воспринял передовые идеи в современном искусстве. Работая вместе, они осваивали арт-сцену и развивали свои идеи в искусстве. На Джаспера Джонса также оказали влияние идеи Марселя Дюшана. «Велосипедное колесо» и другие редимейды Дюшана стали источником вдохновения для серии предметов, отлитых в бронзе, которую художник создал в конце 1950-х — начале 1960-х годов.
   Д. Джонс – один из первых художников, использовавший в картине государственный символ – флаг (работа «Флаг»). На ней точно изображён флаг США и только. Позже создал работу «Три флага» – флаги США, размещенные один над другим.
    Джеймс Розенквист (англ. James Rosenquist; род. 29 ноября 1933) — американский современный художник, один из крупнейших представителей поп-арта. С 1948 обучается в Школе искусств Миннеаполиса. В 1952-54 годах изучал искусство в университете Миннесоты. В 1955 переезжает в Нью-Йорк; получает здесь стипендию Студенческой лиги искусств, знакомится с Робертом Индианой, Джаспером Джонсом, Элсвортом Келли и Робертом Раушенбергом. В 1957-60 годы работает художником по рекламе. С 1960 начинает создавать на основе рекламных плакатов крупноформатные полотна в стиле «поп-арт». В 1962 году состоялась первая персональная выставка в нью-йоркской Зелёной галерее (Green Gallery), привлекшая большое внимание общественности и прессы. 1965 – начало международной известности художника, после создания полотна «F-111».
   Работы Дж. Розенквиста, как правило, представляют собой соединение разорванных, созданных в различных пропорциях изображений, которые мастер умело комбинирует и противопоставляет, создавая при этом смысловые композиции, зачастую воспринимаемые абстрактным или провоцирующим образом. Кроме произведений живописи, мастер работает в области коллажа, графики и рисунка. Работы Дж. Розенквиста оказали существенное влияние на творчество ряда художников последующих поколений.
   Том Вессельман (англ.Tom Wesselmann; род. 23 февраля 1931 – 17 декабря 2004 г.) – американский художник и график. В 1948—1951 годах учился в колледже Хирам, в одноимённом городке штата Огайо, затем, с 1951 года изучал психологию в университете Цинциннати. Во время Корейской войны служил в армии (в 1954-54 годах), в это время начал рисовать комиксы. Демобилизовавшись, поступает в Академию искусств Цинциннати, в 1956—1959 продолжает обучение в нью-йоркской Школе искусств и архитектуры Купер-Юнион. Первая персональная выставка состоялась в 1961 году в галерее Тенеджер, Нью-Йорк.
   Т. Вессельман в начале своей творческой карьеры увлекается экспрессионизмом, затем пишет свои картины в стиле поп-арт, став одним из крупнейших представителей этого направления. Образы для своих работ (в основном это обнажённое женское тело) черпает в рекламных материалах: в постерах, проспектах, плакатах, кинематографе. Начиная с 1983 года, он работал по металлу, вырезая свои рисунки на металлических плитах лазерным лучом.
   Клас Олденбург (швед. Claes Oldenburg) – американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта. Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США (а в 1953 г. получил американское гражданство). В 1946—1950 гг. учился в Йельском университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго.
    В 1960-е гг. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он обратился к объектам. Наиболее характерный приём Олденбурга – скульптурное изображение небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, зачастую причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Носившие когда-то провокационный характер, сегодня произведения Олденбурга прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж. Их активно интегрируют в городскую среду. Так, вход в рекламное агентство «Chiat\Day» в Лос-Анджелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой. На противоположной стороне площади находится другой конец нитки, с узелком.
   Энди Уорхол (англ. Andy Warhol, (6 августа 1928 — 22 февраля 1987) — американский художник и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт движения и современного искусства в целом. В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.
   Уорхол родился в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США), в семье эмигрантов из деревни Микова, тогда находившейся в Австро-Венгрии, а сейчас — в Стропковском районе северо-восточной Словакии. Он изучал промышленный дизайн в Институте технологии в Питтсбурге. После завершения обучения он переехал в Нью-Йорк и начал успешную карьеру: иллюстрировал журналы, работал в рекламе. Он стал хорошо известен эксцентричными чернильными рисунками обуви, выполненными в свободном стиле, с намеренными пятнами.
   В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов, в том числе — знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие визитной карточкой Энди Уорхола. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления. В1963 году он выставил свою работу под названием «Тридцать лучше чем одна». На одной черно – белой шелкографии было размещено 30 репродукций Джоконды. Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в «кислотной» манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна.
   Во второй половине 1960-х Уорхол стал проявлять интерес к кино. Фильмы, снятые им вместе с Полом Морисси, — первая ласточка сексуальной революции. Большинство его киноработ — более или менее бессюжетные фильмы, продолжительностью до 25 часов, в течение которых на экране бродят нагие участники Уорхоловой «фабрики», вроде Джо Далессандро и Эди Седжвик. Параллельно с экспериментами с любительским кино Уорхол продюсирует первую альтернативную рок-группу — The Velvet Underground. Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов, например, «Sticky Fingers» группы The Rolling Stones. Вокруг Уорхола сложилась особая субкультура молодёжи, одна из участниц которой — феминистка Валери Соланас — 3 июня 1968 года выстрелила в «учителя», тяжело ранив его в живот. Несмотря на то, что жизнь Уорхола удалось спасти, в течение последующих лет он оставался инвалидом, а в 1987 года умер от последствий этого ранения. Во многом именно благодаря Эндри Уорхолу поп-арт получил широкое распространение во многих странах мира. 

  

Заключение 

   Американский поп-арт родился как отрицание абстрактного экспрессионизма. В 1951 году была издана антология дадаизма, вызвавшая к себе сильный интерес художников. Методы Дада – коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте, а также «реди-мейд» Дюшана стали точкой отсчета в дальнейшем «опредмечивании» живописи и уничтожении границ между искусством и реальностью. Основоположники поп-арта создавали так называемые «комбинированные картины», сочетая вещественные вставки с живописью в манере абстрактного экспрессионизма.
   Художники поп-арта выражали типичные постмодернистские идеи: отсутствие личностного начала в творчестве, сведение произведения к простой комбинации готовых элементов. Таким образом, они пытались работать «в прорыве между жизнью и искусством».
   Советский профессор эстетики Ю.Борев пишет: «Как художественное направление поп-арт закрепляет давно наметившуюся в искусстве оппозицию: массовое — народное. Поп-арт — художественное удовлетворение и реализация «тоски по предметности», порожденной долгим господством в западном искусстве абстракционизма. Абстракционистскому отказу от реальности поп-арт противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус. Теоретики поп-арта утверждают, что каждый предмет в определенном контексте превращается в произведение искусства, теряет свое первоначальное значение и приобретает художественные качества…»
и т.д.................


Перейти к полному тексту работы


Скачать работу с онлайн повышением уникальности до 90% по antiplagiat.ru, etxt.ru или advego.ru


Смотреть полный текст работы бесплатно


Смотреть похожие работы


* Примечание. Уникальность работы указана на дату публикации, текущее значение может отличаться от указанного.