На бирже курсовых и дипломных проектов можно найти образцы готовых работ или получить помощь в написании уникальных курсовых работ, дипломов, лабораторных работ, контрольных работ, диссертаций, рефератов. Так же вы мажете самостоятельно повысить уникальность своей работы для прохождения проверки на плагиат всего за несколько минут.

ЛИЧНЫЙ КАБИНЕТ 

 

Здравствуйте гость!

 

Логин:

Пароль:

 

Запомнить

 

 

Забыли пароль? Регистрация

Повышение уникальности

Предлагаем нашим посетителям воспользоваться бесплатным программным обеспечением «StudentHelp», которое позволит вам всего за несколько минут, выполнить повышение уникальности любого файла в формате MS Word. После такого повышения уникальности, ваша работа легко пройдете проверку в системах антиплагиат вуз, antiplagiat.ru, etxt.ru или advego.ru. Программа «StudentHelp» работает по уникальной технологии и при повышении уникальности не вставляет в текст скрытых символов, и даже если препод скопирует текст в блокнот – не увидит ни каких отличий от текста в Word файле.

Результат поиска


Наименование:


курсовая работа Современная эстрада и творчество Эдит Пиаф (Edith Piaf)

Информация:

Тип работы: курсовая работа. Добавлен: 11.10.2012. Сдан: 2011. Страниц: 11. Уникальность по antiplagiat.ru: < 30%

Описание (план):


  Пролог   
  Эстрада вид сценического искусства. Соединяет в представлении (концерте) разнообразные жанры в номерах, являющихся отдельными законченными выступлениями одного или нескольких артистов. Для Э. характерно прямое обращение артистов к зрительному залу, часто от собственного лица. В тех случаях, когда артист трансформируется, он делает это главным образом тут же на эстраде, в некоторых случаях используя парики, детали костюма и др. Эстрадному исполнителю присущи обнажённость чувств, открытость мастерства. Учитывая краткость выступления, артисты Э. широко применяют средства молниеносного воздействия на зал, приёмы гротеска, буффонады. Они, как правило, отказываются от глубокой психологической разработки образа, стремятся создать определённую маску. В искусстве Э. преобладают элементы юмора, сатиры и публицистики. Оно преимущественно строится на современном, более того, злободневном материале, использует свои специфические жанры: куплет, романс, монолог, мини-пьесу, акробатический танец, манипуляцию и др.  
         Истоки Э. — в выступлениях бродячих артистов (скоморохов (См. Скоморохи), Жонглёров, Шпильманов и др.) главным образом на народных гуляньях, а с середины 18 в. и в балаганах. Среди них выделялись деды-раёшники, зазывавшие публику с балкона, выстроенного над входом в балаган. Ярмарочные зазывалы для привлечения посетителей исполняли сатирические монологи и шутки, акробатические трюки. В балаганах выступали звукоподражатели, акробаты, фокусники, трансформаторы, а со 2-й половины 19 в. также рассказчики, куплетисты, исполнители фарсовых сценок.  
         Другим источником Э. стали Дивертисменты — концерты после основного оперно-балетного или драматического спектакля, в которых исполнялись арии из опер, отрывки из балетов, народные песни и танцы. С середины 19 в. в дивертисментах участвовали музыканты-солисты, рассказчики, исполнители куплетов, позже арий и дуэтов из оперетт.  
         Искусство Э. развивалось и в Мюзик-холлах, которые выросли из народных таверн (особенно распространённых в Англии). Для привлечения посетителей туда приглашались оркестры, хоры, артисты. Исполнялись злободневные куплеты, бытовые танцы, песни улицы. Первые мюзик-холлы были созданы в Лондоне в середине 19 в. В Кабаре-кафе, где собирались артисты, художники и др., на импровизированной эстраде выступали поэты, актёры. Здесь впервые появился Конферансье. Из кабаре, организованного артистами МХТ, вырос, например, один из первых в России театров миниатюр — «Летучая мышь» (1908).

   В начале 20 в. искусство Э. обогатилось  за счёт джазовой музыки (см. Джаз). Выдвинулся ряд музыкальных коллективов: джаз-оркестры под руководством Б. Гудмена, Л. Армстронга, Дюка Эллингтона (США). Позже распространились вокально-инструментальные ансамбли, соединяющие народные песни с современными ритмами. Популярность завоевала публицистическая, антибуржуазная, прежде всего антимилитаристская, песня: Э. Буш (Германия, позже ГДР), П. Робсон, Д. Рид (США) и др. Получили известность эстрадные певцы: Ж. Беккер, Э. Пиаф, М. Шевалье, Ж. Брель (Франция), X. Белафонте, Э. Фицджералд и др. (США), П. Сигеру, Р. Лоретти (Италия); эксцентрики Грок, Димитрий (Швейцария); пантомимист М. Марсо (Франция).  
         В эстрадном танце стали использоваться современные ритмы, акробатические трюки, достижения бытового танца. Утвердились новые формы эстрадной хореографии: степ, салонно-бытовой и акробатический групповой ритмический танец «гёрлс». Особое место заняли представления «Балета на льду». В рабочих и студенческих эстрадных театрах и коллективах, руководимых прогрессивными организациями, получили распространение сатирические произведения различных жанров, направленные против буржуазного образа жизни. С первых дней Советской власти в России передовые артисты отдавали своё искусство победившему народу, они выступали на фронтах Гражданской войны 1918—20, в рабочих клубах, в деревнях. На эстрадных подмостках звучали публицистические злободневные монологи, куплеты, сатирические сцены, выдающиеся произведения классики и советских писателей.  
         В 1919 был создан Театр революционной сатиры (Теревсат) в Витебске, в 1920 — в Москве, Петрограде, Томске, Баку, Киеве и других городах. Теревсаты, объединившие артистов разных жанров, ставили современные революционные произведения. Эта традиция была продолжена «Синей блузой» (См. Синяя блуза).  
         Открытые в различные годы театры миниатюр (Ленинградский под руководством А. И. Райкина, Московский, Саратовский «Микро» и др.) постоянно обращались и обращаются к современным произведениям. Идейность, политическая устремлённость утверждались в борьбе с буржуазной идеологией, пошлостью, низкопробным искусством — наследием дореволюционного прошлого. Свой путь советская Э. нашла в сближении с революционной действительностью, в овладении коммунистической партийностью. Ныне Э. в СССР стала одним из самых массовых искусств.  
         Большое распространение на Э. получила песня — русских и других народов СССР, бытовая, публицистическая и лирическая, исполняемая ансамблями и отдельными певцами. Не менее популярны танцы — народные, бытовые, акробатические, эксцентрические и др. Широко представлены эстрадные оркестры, вокально-инструментальные ансамбли, музыканты-солисты. Ведущее место занимают артисты, обращающиеся к злободневному публицистическому и сатирическому репертуару,— конферансье, исполнители куплетов, фельетонов, юмористических рассказов, кукольных представлений. Всенародное признание получили: певцы — Л. А. Русланова, К. И. Шульженко, Л. Г. Зыкина, М. И. Бернес, М. М. Магомаев; артисты сатирических жанров — В. Я. Хенкин, Н. П. Смирнов-Сокольский, А. И. Райкин, Л. Б. Миров и М. В. Новицкий, М. В. Миронова и А. С. Менакер, Ю. Т. Тимошенко и Е. И. Березин, Государственный эстрадный оркестр под руководством Л. О. Утесова и многие др. В Москве и Ленинграде имеются стационарные эстрадные театры. Мюзик-холлы работают в Москве, Ленинграде, Киеве, Ташкенте. Имеются Московский, Ленинградский и Украинский балеты на льду (см. раздел Эстрада в ст. Российская Советская Федеративная Социалистическая Республика и «СССР»).  
         Значительное развитие получила Э. и в других социалистических странах. В столице ГДР Берлине работают самый большой в Европе эстрадный театр «Фридрихштадт-паласт», театр сатирических миниатюр «Дистль»; в Чехословакии — театр «Пантомима на Забрадли» во главе с Л. Фиалкой, театр-аттракцион «Латерна магика»; несколько театров миниатюр имеется в Польше. Много талантливых эстрадных артистов различных жанров работают в Венгрии, Болгарии, Румынии, Монголии, Югославии.
 
 

ПОПУЛЯРНАЯ  МУЗЫКА. 
 
 

  Популярная музыка – это музыка, легко воспринимаемая на слух, доступная по форме. Многие произведения классической музыки гораздо популярнее, чем произведения иных поп-коллективов, но если рассматривать популярную музыку как жанр, как особое течение в человеческой культуре, то фактическая популярность не будет определяющим фактором. Определяющим фактором является легкость для восприятия и в большинстве случаев – расчет на успех у массового слушателя. Расчет этот, конечно, далеко не всегда меркантилен: когда 16-летняя Консуэло Веласкез сочиняла Бесаме мучо (Bessame mucho), она, как утверждала впоследствии, совсем не надеялась на то, что эта песня станет столь известной. Но в то же время эта девушка изначально сочиняла песню в жанре популярной музыки, придумывая короткую лирическую песню с яркой, запоминающейся мелодией. Такие характеристики – идеальные составляющие популярной музыки.  
 
 

ИСТОКИ  

В основе всякой популярной музыки – народные песни  и танцы. С древних времен в  различных частях света музыкальное  творчество постепенно разделялась  на различные виды: простонародная музыка и музыка для знати, церковная, или сакральная музыка, праздничные танцы и военные марши, свадебные, земледельческие, похоронные песни и т.д.
Популярная  музыка сформировалась на основе, прежде всего, развлекательных жанров. Те песни, которые бродячие музыканты в Средние века исполняли для увеселения публики на ярмарках, празднествах, всевозможные любовные куплеты и танцевальные мелодии можно считать ранними формами популярной музыки. Более серьезные жанры, такие как духовная музыка или всевозможные церемониальные сочинения, стали основой того, что теперь называется классической музыкой.
В Западной Европе развилась форма песни, называвшаяся балладой. Чаще всего это был последовательный рассказ: история жизни какого-нибудь человека, война, описание битвы или трагической любви. Часто эти баллады соединялись с театральными представлениями, были частью какого-нибудь спектакля.  

  ИСТОРИЯ ПОПУЛЯРНОЙ  МУЗЫКИ  

Европа. В Европе в 16–17 вв. большое распространение получили «баллады-листовки», т.е. напечатанные на бумаге стихи с нотами в верхней части листа. Это уже были первые шаги шоу-бизнеса, массового распространения музыки. Народная музыка распространяется как бы «сама»: кто-то слышит песню, запоминает ее и поет, затем еще кто-то слышит поющего и запоминает и т.д. Это неконтролируемый процесс. А вот тиражирование нот – это уже попытка осознанного, контролируемого распространения музыки.
Современная поп-музыка принадлежит целой индустрии  – множеству производственных структур, через которые проходит музыкальная идея, чтобы в итоге стать конкретным продуктом и быть проданной миллионам людей. И «баллады-листовки» были началом складывания этой сложной системы.
В 1650 в Лондоне  был выпущен сборник Учитель танцев, составленный Джоном Плейфордом (1623–1686), в котором были собраны ноты разнообразных сельских танцевальных мелодий Англии, снабженные пояснениями к танцевальным фигурам и движениям.
Плейфорд с  друзьями много ездил по стране и  собирал фольклор. Сборник оказался очень популярен, и за ним последовало множество других.
Эффектность народных мелодий, веками выверенная точность балладной формы привлекли внимание серьезных композиторов. Так, именно Учитель танцев лег в основу Оперы нищего, одного из ранних произведений т.н. балладной оперы. Композитор Джон Пепуш (1667–1752) и драматург Джон Гей (16851732) представили свое произведение лондонской публике в конце января 1728. Успех был настолько велик, что поставил под угрозу популярность Г.Ф.Генделя, чьи оперы доминировали в то время на английской сцене.
С конца 18 в. широко распространяется любительское музицирование  и, как один из его главных инструментов, – фортепиано. Хорошие фортепиано стоили недешево, но продавались и  недорогие невзыскательные образцы. Важно, что само музицирование стало очень популярным. В моду входят фортепьянные пьесы, простые и сентиментальные, которые не трудно было выучить любому желающему. Эти пьесы были густо украшены различными нехитрыми, но эффектными музыкальными приемами, что делало их на первый взгляд крайне изящными. Похожие приемы использует и современная популярная музыка.
Обеспеченная  публика Европы развлекалась салонным музицированием. Появился особый жанр салонной баллады, который был упрощенным подражанием оперному искусству.
Для бедных же людей одним из немногочисленных развлечений стала шарманка, изобретенная в конце 18 в. в Швейцарии. Шарманка могла воспроизвести одну или несколько популярных мелодий, и бродячие шарманщики исполняли различные песни: от сатирических куплетов до печальных баллад.
Росло число  музыкальных издательств, выпускавших  нотные листовки и книги. К концу 19 в. многомиллионные тиражи нотных листов уже не были чем-то удивительным. Продолжается издание сборников  народных песен: сборники песен менестрелей, и такие крупные издания, как Собрание национальных английских мелодий и Популярная музыка нашей старины.
С середины 19 в. начинается активный рост индустрии  популярной музыки и индустрии развлечений  в целом. Нотные листки и сборники становятся все более доступными по цене, и быстро растет число мест, где можно было бы послушать популярную музыку. В Европе и США возникают так называемые увеселительные парки, в которых постоянно даются различного рода представления и играет музыка. В Англии первый такой парк, «Воксхолл», был основан еще в 1660.
Характер музыки, исполнявшейся в увеселительных парках, например в знаменитом копенгагенском «Тиволи», открытом в 1840, был исключительно  развлекательный, увеселительный. Репертуар  парков состоял из шуточных песен, комических номеров, фольклорных баллад.  

Америка.
«Менестрели». Как и в Европе, в Америке также существовали бродячие цирки и труппы актеров и музыкантов, развлекавшие народ различными представлениями, состоявшими из спектаклей, сценок и песен. С конца 18 в. в Америке начинает развиваться специфический жанр сатирических представлений, которые стали называть «шоу менестрелей», хотя связи с европейской менестрельной традиции практически не наблюдалось. Специфичным было то, что в этих шоу белые артисты изображали жизнь и нравы чернокожего населения Америки (большая часть которого до 1863 находилась в рабстве), пародируя афроамериканский фольклор. Подчас эти шоу были откровенно расистскими. Артисты красили свои лица сажей. Центральным в таких представлениях был персонаж, называвшийся «куном» (coon): плутоватый афроамериканец, крайне похотливый и склонный к воровству.
Интересно, что  со второй половины 19 в. начали появляться группы менестрелей, состоявшие уже  из настоящих афроамериканцев. Они  также развлекали публику сценами  из афроамериканской жизни, а некоторые, соблюдая традицию, поверх своей «черноты» дополнительно красили лица сажей. Но сатира черных менестрелей не была такой грубой и часто направлялась уже на самодовольных белых плантаторов. Из таких трупп профессиональных актеров впоследствии вышли многие замечательные блюзовые и джазовые музыканты: композитор Уильям Хенди, певица Гертруда Ма'Рейни и многие другие. Музыка, которая традиционно сопровождала менестрельные шоу, легла в основу танцевального стиля рэгтайм.
Рэгтайм был  популярен на рубеже 1920 вв., а самым известным композитором, работавшим в этом жанре, был Скотт Джоплин, сочинивший огромное количество танцевальных мелодий, в том числе знаменитый Рэг кленового листа (Maple Leaf Rag). Это была энергичная танцевальная музыка с подчеркнутым использованием синкопированного ритма. Главным инструментом рэгтайма было фортепиано.  
 

Музыкальный театр.  

Развитие музыкального театра связано с такими жанрами  популярной музыки, как оперетта и  мюзик-холл. Оперетта возникла в середине 19 в. в Париже. Она основывалась не столько на фольклорных, сколько на классических образцах, и часто авторами оперетт являлись академические композиторы. От оперы этот жанр отличается отсутствием эпического размаха, речитативов между ариями (которые заменили на диалоги и монологи), а также порой комическим, сатирическим или злободневным содержанием произведений. Арии из оперетты запоминались гораздо легче, чем классические, – фактически они могли существовать в виде отдельных популярных песен, которые можно было напевать, насвистывать себе под нос.
Жак Оффенбах, основавший в 1855 театр «Буфф-Паризьен»  считается одним из главных родоначальников  жанра оперетты. Ему принадлежат  такие известные произведения, как  Прекарасная Елена и Парижская жизнь. Вскоре театры оперетт возникают и в других европейских странах, а в конце 19 в. столицей оперетты становится Вена, где работают такие композиторы, как Ференц Легар, Франц фон Зуппе и Иоганн Штраус-сын (автор знаменитой Летучей мыши). Главными именами английской оперетты были У.Гилберт и А.Салливен, чья популярность вскоре распространилась и на США.
Другим видом  музыкального театра стал в середине 19 в. мюзик-холл. Возникавшие повсеместно музыкальные залы продолжали линию увеселительных парков, только теперь посетители получали возможность смотреть представления, сидя за столиком с едой и выпивкой. Развлекательные программы во Франции получили название «варьете» (то есть «всякая всячина»), и этот термин вскоре широко распространился.
Музыкальные залы оказались очень популярными и прибыльными. Их владельцы начали привлекать профессиональных композиторов-песенников для сочинения программ и музыкальных номеров. В мюзик-холле стали появляться свои «звезды», как в опере и оперетте, только в гораздо большем количестве. Это было уже очень близко к современному состоянию популярной музыки с ее многочисленным и бесконечно обновляющимся запасом «звезд» и «легенд».
Мюзик-холлы  вскоре становятся наиболее популярным местом времяпрепровождения горожан-европейцев, местом семейного отдыха. Одним из известнейших музыкальных театров Англии был «Кентерберийский мюзик-холл».
Во Франции  одним из обязательных элементов  музыкальной программы становится водевиль (первоначально так назывались песни долины реки Вир в Нормандии) – «комедия положений», включавшая в себя куплеты, романсы и баллады. Содержание водевилей могло быть весьма резким и эротичным.
Этот термин приживается и в США, где индустрия  развлечений развивается не меньшими, а то и большими темпами, чем в  Европе.
28-ая улица  в Нью-Йорке была сосредоточением музыкальных издательств и своего рода штаб-квартирой американского шоу-бизнеса. Журналист Монро Рознефельд прозвал ее «Аллеей жестяных сковородок» (Tin Pan Ally), из-за грохота и шума, который стоял на этой улице. Это выражение закрепилось, и его часто применяли, когда речь заходила о музыкальном издательском бизнесе США или Англии. В Лондоне тоже была своя «аллея сковородок»: Денмарк-стрит. Централизация музыкального бизнеса в начале 20 в. была еще одним шагом в создании индустрии поп-музыки.
В первых десятилетиях 20 столетия Америка становится законодателем  мод в популярной музыке. Рэгтайм, фокстрот, чарлстон, – эти танцы  покоряют Европу, а мюзик-холл, вобрав в себя многие черты оперетты, дает жизнь новому популярному жанру: мюзикл.
Джаз в сочетании  с фольклорными элементами (кантри), европейскими традициями и установкой на эффектную зрелищность, – вот  на этом и строился мюзикл. Особенно свежим было привлечение только что  вошедшего в моду джаза.
К середине 20 в. театры мюзикла группируются на нью-йоркском Бродвее, который до сих пор остается главной музыкальной улицей Америки.  

ПОПУЛЯРНАЯ  МУЗЫКА 20 – НАЧАЛА 21 ВВ.  

Большинством  направлений популярной музыки 20 и  начала 21 в. мы обязаны Новому Свету. Этот бурно развивавшийся континент оказался невероятно богатым в музыкальном отношении – прежде всего за счет пестрого смешения множества народов и культур. Западноевропейская, средиземноморская, африканская, индейская культуры и даже культура юго-востока Азии соединялись и переплетались, образуя новые удивительные стили.
Латинская Америка  дала миру танго, самбу, босса-нову, Карибский  бассейн – калипсо, ска и рэгги, Северная Америка – блюз, рэгтайм, джаз, рок-н-роллл и т.д. У всех этих направлений была одна общая  черта: они родились в «простонародье», бедных слоях общества, и высшие сословия первое время смотрели на эту музыку с презрением, называя ее вульгарной, – привычное обвинение популярной музыки. Но проходило немного времени, и музыка простых людей и бедных кварталов покоряла буквально всех, сметая сословные границы. Характерный пример – история танго. Этот танец, считавшийся в начале 20 в. слишком грубым и чувственным, через некоторое время стал рассматриваться как высокое искусство.
Латиноамериканская  популярная музыка основывалась на африканских и средиземноморских ритмах и была очень пестрой в своей мелодике: тут были элементы и французских баллад, и фольклора Пиренейского региона, и африканские, и индейские мелодические линии. В Латинской Америке потомки вывезенных из Африки рабов, местного индейского населения и европейских завоевателей часто смешивались между собой, образуя уникальный этнический сплав. В Северной Америке нравы были жестче, и рабовладельцы старались искоренить всякие африканские традиции в среде рабов. Но музыка выжила, хотя и заметно трансформировалась на Американской земле.
Блюз. Так, в конце 19 в. в сельских районах Юга США появился блюз, который вскоре стал самой популярной музыкой черного населения страны. Услышав сельский блюз (blues), музыкант и композитор Уильям Хенди, до этого работавший в афроамериканских «менестрельных» оркестрах, пришел в восторг и решил использовать этот стиль в популярных мелодиях, которые он сочинял. Так появился, например, знаменитый Сент Луис блюз (St. Louis Blues) и мн. др. композиции, стоявшие у истоков нового направления, которое получило название джаз (jazz).
Джаз. Джаз развивался в Новом Орлеане в первые десятилетия 20 в., и вскоре затмил по популярности рэгтайм. Белые американцы были абсолютно невосприимчивы к блюзу, а вот джаз они подхватили мгновенно. Это была жизнерадостная танцевальная музыка, точно соответствовавшая темпу жизни, который начал резко ускоряться после Первой мировой войны.
Главным инструментом рэгтайма было фортепиано, сельского  блюза – шестиструнная гитара. Джаз же предполагал наличие целого оркестра музыкантов: духовая секция, ударные, иногда банджо, скрипка и др. Нью-орлеанские оркестры Джо Оливера и Кида Ори были очень популярными коллективами эпохи раннего джаза.
В 1920-е начинают распространяться так называемые биг-бенды, т.е. большие, укрупненные оркестры. Джаз, который они исполняли, называют свингом. Собственно свинг (swing) – это музыкальный прием, особый вид синкопы (так же как и «rag» в слове «рэгтайм» означает синкопу). Синкопа – харктерная составляющая черной музыки. Классиками свинга являются Луи Армстронг, Дюк Эллингтон, Каунт Бейси, а также белые исполнители – Бикс Бейдербек, Бенни Гудмен и др.
В 1930-е свинг  становится самой популярной музыкой  в мире на тот период. С ним  соперничает только эстрадная лирическая песня. У каждой страны есть свои особенности эстрадного жанра, но в 20 в. явно происходит взаимопроникновение фольклорных традиций: в европейские баллады входят элементы афроамериканской музыки, джазовые эстрадные песни обогащаются даже восточноевропейскими, русскими мотивами. Ирвинг Берлин – выходец из России и один из великих джазовых композиторов, умел тонко вплести русские мелодии в джазовую ткань.
Гордость американской культуры, Джордж Гершвин создает  в 1935 оперу Порги и Бесс, классику одновременно и популярной и оперной традиции. Гершвин был одним из первых, кто обратил внимание на то, насколько расплывчаты границы популярной и «серьезной» музыки. Он создавал симфонические и фортепьянные пьесы, основанные на джазовой гармонии: Рапсодия в голубом (Rhapsody in blue, 1924), сюита Американец в Париже (An American in Paris, 1928).  

Прогресс  в звукозаписи. Новый  этап в распространении  популярной музыки.
 Огромную  роль для развития популярной  музыки сыграло изобретение в  конце 19 в. граммофона. Теперь сотни тысяч людей получали возможность услышать знаменитых исполнителей, даже если эти исполнители никогда не доберутся с концертами до их города или отдаленного поселка. В 1910-х был установлен стандарт двусторонней грампластинки на 78 оборотов в минуту, а в конце 1940-х гг. появилась т.н. долгоиграющая пластинка на 33,3 оборота и т.н. «сорокопятка» – небольшой диск, рассчитанный на скорость 45 оборотов в минуту.  

Индустрия распространения  песен на нотных листах еще некоторое  время конкурировала с грамзаписью, но к середине века виниловые диски вытеснили нотные листы, как впоследствии, в конце 20 в., компакт-диски вытеснили «винил».
Другим важным каналом распространения популярной музыки стало радио. Это было доступное  для большинства удовольствие, а владельцы радиостанций быстро нашли общую выгоду с хозяевами звукозаписывающих фирм, как только стало понятно, что радиоэфир – это эффективный способ рекламировать пластинки, а также навязывать публике музыку и вкусы. В 1920 в США открылась первая частная радиостанция, а в 1925 в Лондоне заработала Британская радиовещательная корпорация (ВВС), до сих пор одна из крупнейших в мире.
С момента  изобретения звукового кино в  конце 1920-х появилась возможность  использовать музыку в кино: создавать музыкальные фильмы или просто писать музыку для кинокартин, тогда как ранее музыкальное сопровождение было делом личного вкуса тапера. См. также РОК-МУЗЫКА В РОССИИ.
Эстрада. 1950-е годы были временем триумфа эстрадной песни в популярной музыке. Во Франции появляются такие новые «звезды» шансона, как Жак Брель и Шарль Азнавур, а в Америке «царит» Фрэнк Синатра. Эстрадная песня Америки сочетает в себе элементы свинга, европейскую и джазовую мелодику. Это мягкая и лирическая музыка. Американский вариант распространяется во многих странах мира, даже во Франции, хотя позиции шансона, эстрадной и авторской песни, основанной на народных традициях, там очень сильны. Кроме того, во французской эстраде, как и в эстраде других стран существует жанр, который можно определить как просто лирическая и мелодичная песня.
В 1960-х во французской  музыке появляется много новых имен. Среди них – певец Сальваторе Адамо и певица Мирей Матье. Мирей  Матье сравнивают с великой Эдит Пиаф, потрясавшей своим пением Европу в середине 20 в., но музыка Матье гораздо мягче, и в ней нет той степени боли и отчаяния, которая выносит Пиаф за пределы развлекательного искусства.
В 1970-х всемирную  известность получает испанский  певец Хулио Иглесиас. В юности он мечтал о карьере футболиста, но получив серьезную травму, которая не позволила ему продолжать заниматься футболом, решил попробовать себя в эстрадной песне. Так он стал одним из популярнейших в мире исполнителей.
Одна из особенностей Х.Иглесиаса заключается в том, что он исполняет песни не только на испанском и английском, но и на многих других языках мира.  

Ритм-н-блюз и рок-н-ролл.
Сельский блюз американского Юга, перенесенный в  черные городские кварталы, к 1940-х  гг. трансформировался в то, что  теперь называют ритм-н-блюз (rhythm'n'blues, или R&B).
Поставленный  на четкий танцевальный ритм, исполняемый  группой («бэндом»), использовавшей электрические  гитары, ритм-н-блюз часто довольно далеко уходил от интимного, задумчивого  настроения раннего блюза и превращался  в неистовую, сверхэмоциональную музыку городских вечеринок. Так, ритм-н-блюз перерастает в рок-н-ролл, который буквально «взорвал» популярную культуру второй половины 20 в.
Началом эпохи  рок-н-ролла (rock'n'roll) считается 1955, когда вышла пластинка Рок круглые сутки (Rock Around the Clock) Била Хейли и его группы Кометс, хотя и до этого, с начала 50-х гг. его группа успела выпустить несколько дисков, ставших впоследствии классикой рок-н-ролла. Билл Хейли был белым музыкантом, как и Элвис Пресли, и Джерри ли Льюис и Бадди Холли, культовые фигуры рок-н-ролла. Белой публике было привычнее слышать и видеть своих «белых парней», хотя мода на рок-н-ролл позволила прорваться в большой шоу-бизнес и тем черным ритм-н-блюзовым исполнителям, которые, собственно, и сформировали этот сверхпопулярный стиль: Литттл Ричарду, Чаку Берри, Бо Дидли и Фэтсу Домино.
Элвис Пресли стал первой настоящей суперзвездой рок-н-ролла, образцом для подражания для миллионов подростков. В Великобритании аналогом такого рок-героя стал Томми  Стил, а во Франции – Джонни Холлидей.
Англичане оказались  очень восприимчивыми к американской и афроамериканской музыке: рок-н-роллу, ритм-н-блюзу и блюзу. Следствием этого явилось «британское вторжение» начала 1960-х, когда английские группы, вдохновленные Элвисом Пресли, Чаком Берри и другими американцами, буквально захватили американский и мировой поп-рынок. Во главе этого вторжения стояли Битлз (The Beatles) и Роллинг стоунз (Rolling Stones). Последние настаивали на том, что они играют именно ритм-н-блюз, а не рок-н-ролл. Во «вторжении» участвовали и такие великие группы, как Ху (The Who), Кинкс (The Kinks), Энималз (Animals) и многие другие. Скоро их музыка вышла за рамки простого рок-н-ролла, и термин сократили до одного слова «рок».
Эстрадная песня  в то время обогащается многими приемами рок-музыки.: примером тому является английский певец Том Джонс, привнесший в эстрадную песню афроамериканскую чувственность и энергию рок-н-ролла. Во Франции с рок-н-ролльными формами экспериментирует певец, композитор и поэт Серж Гензбур, начинавший в конце 50-х как традиционный шансонье.  

Рок 1960-х.
  Вторая половина 60-х – время больших социальных и культурных перемен. В популярной музыке тоже необычайный расцвет. Пластинки, которые выпускали группы и исполнители в конце 60-х – несут на себе особенный отпечаток свободы, воодушевления и искренности.
Однако индустрия  шоу-бизнеса с готовностью включает в свой оборот всех, кто выглядит коммерчески перспективным: от старых блюзменов, на волне моды вдруг вывезенных из сельской глуши в крупные звукозаписывающие студии, до групп хард-рока. Группы «Лед Зеппелин» и «Блэк Саббат» в 1970-х гг. собирают многотысячные стадионы, их диски раскупаются миллионами, принося внушительную прибыль.  

Но во второй половине 1970-х наступает время, когда коммерческий потенциал любой «стадионной» группы начинает сдавать свои позиции по сравнению с исполнителями диско, даже довольно посредственными.
Диско. Этот стиль был создан на основе фанка (funk), но сильного упрощенного. На протяжении десятилетия, с конца 1960-х фанк был наиболее популярной и прогрессивной музыкой среди черного населения США. Джеймс Браун, Слай Стоун из группы «Слай энд фэмили стоун» («Sly & The Family Stone») и Джордж Клинтон со своими проектами Фанкаделик энд Парламент (Funkadelic и Parliament) были главными идеологами фанка.
Диско-бум  не только переориентировал популярную музыку и индустрию на сугубо танцевальное направление, но и вынудил многих известных музыкантов заигрывать с  диско, чтобы «остаться на плаву», потому что радиостанции и фирмы грамзаписи одно время требовали исключительно композиции в стиле диско. Но были группы, создававшие в диско-ритмах поразительные вещи, как например, талантливый и невроятно популярный шведский коллектив «АББА» (АВВА).
и т.д.................


Перейти к полному тексту работы


Скачать работу с онлайн повышением уникальности до 90% по antiplagiat.ru, etxt.ru или advego.ru


Смотреть полный текст работы бесплатно


Смотреть похожие работы


* Примечание. Уникальность работы указана на дату публикации, текущее значение может отличаться от указанного.