На бирже курсовых и дипломных проектов можно найти образцы готовых работ или получить помощь в написании уникальных курсовых работ, дипломов, лабораторных работ, контрольных работ, диссертаций, рефератов. Так же вы мажете самостоятельно повысить уникальность своей работы для прохождения проверки на плагиат всего за несколько минут.

ЛИЧНЫЙ КАБИНЕТ 

 

Здравствуйте гость!

 

Логин:

Пароль:

 

Запомнить

 

 

Забыли пароль? Регистрация

Повышение уникальности

Предлагаем нашим посетителям воспользоваться бесплатным программным обеспечением «StudentHelp», которое позволит вам всего за несколько минут, выполнить повышение уникальности любого файла в формате MS Word. После такого повышения уникальности, ваша работа легко пройдете проверку в системах антиплагиат вуз, antiplagiat.ru, etxt.ru или advego.ru. Программа «StudentHelp» работает по уникальной технологии и при повышении уникальности не вставляет в текст скрытых символов, и даже если препод скопирует текст в блокнот – не увидит ни каких отличий от текста в Word файле.

Результат поиска


Наименование:


контрольная работа Изобразительное искусство 18 векак

Информация:

Тип работы: контрольная работа. Добавлен: 10.11.2012. Сдан: 2011. Страниц: 7. Уникальность по antiplagiat.ru: < 30%

Описание (план):


 
Муниципальное образовательное учреждение
                 Высшего профессионального образования
             Южно - Уральский профессиональный институт 
       
       
       
       
       

Контрольная работа по дисциплине
«Культурология»
Студентов заочной формы обучения
специальности 080507.65 «Менеджмент организации»
Вариант 8 
 
 
 
 
 
 
 

Челябинск
2009 

СОДЕРЖАНИЕ 
 

1 Вопрос 8. Японская живопись тушью на  рисовой или шёлковой бумаге (Хокусай,  Утамаро)…………………………………………………………………..3-7
2  Вопрос 31. Ж. Давид, Дж. Констебл……………………………………………8-14
3  Вопрос 33. Дж. Тернер, К. Коро……………………………………………….15-18
4  Вопрос 35. О. Домье, В. Ван Гог………………………………………….…19-24
5  Вопрос 37. О. Ренуар, Э. Мане…………………………………………………25-30
6  Вопрос 39. Ж. Сёра, А. Тулуз-Лотрек…………………………………………31-33
Список используемой литературы…………………………………….……………..34 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Вопрос 8. Японская живопись тушью на рисовой  или шёлковой бумаге (Хокусай, Утамаро) 

     (1753 — 1806) 
Китагава Утамаро, настоящее имя Нобуёси, а Утамаро является псевдонимом, который художник стал использовать с 1781 г. 
Китагава Утамаро жил и работал в столице Эдо, куда переехал после смерти своего отца. Здесь он поступил в студию Торияма Сэкиэн - художника школы Кано. 
В конце XVII—XVIII веках в Эдо процветало абсолютно новое, противостоящее официальным канонам и полностью ориентированное на вкусы и интересы горожан направление «укиё-э», которое отражало жизнь простых людей, описывало сцены спектаклей театра Кабуки, а так же портреты его актеров. Утамаро рисовал с натуры, внимательно изучая свет. Прелесть летней ночи, нежность лепестков розы, блеск солнца, глянец воды, буквально все привлекало его внимание. 
В 1775 г. он знакомится с издателем Цутая Дзюдзабуро, впоследствии оказавшим огромное влияние на его творчество. Многие работы мастера - прекрасные альбомы, иллюстрированные книги, серии станковых гравюр появились в результате длительного сотрудничества с Цутая. 
Утамаро внес новшества в технику ксилографии и обогатил цветовую палитру японской гравюры, выявив множество аспектов в поведении и эмоциях человека. Утамаро постепенно ищет свою манеру исполнения, которая вскоре принесла ему славу лучшего художника Японии. С 1789 по 1800 год он нарисовал едва ли не всех красивых девушек, каких только можно было встретить в Эдо. Почти у каждой из них один и тот же овал лица, очертание носа, разрез глаз, все они мягки и спокойны. Изображая женщин, Утамаро сумел выявить множество нюансов в характеристике человеческих эмоций. 
Цветовая насыщенность его гравюр в сочетании с гибкой и пластичной линией создает многообразную гамму настроений от печали до радости, от тревоги до безмятежности. Утамаро стал подлинным певцом женской красоты. При помощи плавных, текучих линий, намеренно изменяя их фактуру и толщину, он создал образ красавицы с пышной прической, изящной формой головы на лебединой шее, мягким овалом лица, приподнятыми черно-угольными бровями, с алыми губами и гибкими движениями тонких пальцев. Каждая героиня мастера - воплощение какого-либо качества. Художник словно наблюдает за ними. Как по-разному эти женщины читают, шьют, занимаются с детьми, играют на музыкальных инструментах. В портретах Утамаро создает идеализированный образ своих современниц, в то же время передавая ощущение жизни. Утамаро стремился к выявлению различных по характеру типов внешности, темперамента, привычек. С помощью новых технических приемов Утамаро создал образ идеала женской красоты. 
Особый стиль художника наглядно проявляются в поясных и погрудных портретах серии «о-куби-э», выполненных в сложной технике полихромной печати с применением слюдяного порошка, дающего эффект серебристого мерцающего фона. В изображении выработанного им идеала он прибегал к приемам, подчеркивающим детали и каждый раз по-новому строил свои композиции. Утамаро так же был прекрасным иллюстратором книг. 
К сожалению судьба не щадила мастера. В 1806 году своей гравюрой «Хидэеси и пять наложниц» он навлек на себя гнев властей. Работа была воспринята как сатира на правящего сегуна. За такую дерзость художник претерпел суровое наказание. Он провел 50 дней в тюрьме со связанными руками. Это была тяжкая мука для мастера. 20 сентября 1806 года Утамаро скончался. Долгие годы художнику подражали, его гравюры перепечатывали и подделывали. 
Изысканно-поэтическое творчество Утамаро сыграло важную роль в пробуждении интереса у европейцев к японской гравюре.

     Кацусика Хокусай, художник укиё-э, иллюстратор, гравёр, родился в 1760 году в городе Эдо (сейчас Токио). Его настоящее имя — Токитаро, но на протяжении всей своей творческой жизни он принимал много различных псевдонимов. В 18 лет Хокусай поступил в студию Кацукава Сюнсё (1726—1792), известного художника укиё-э. В 1779 молодой художник сделал серию вполне уверенно скомпонованных театральных портретов.1793 и 1794 стали переломными годами в карьере Хокусая. Художник отказался потворствовать вкусам тогдашней публики, требующей привычных работ в жанре укиё-э, стал вырабатывать свой собственный стиль, почерпнув некоторые приемы японских школ живописи Римпа и Тоса, а также применив европейскую перспективу.В 1795 выходят его иллюстрации к поэтической антологии «Кэка Эдо мурасаки». Между 1796 и 1799 Хокусай пишет много одиночных гравюр и альбомных листов. Последние «суримоно» — так назывались эти выполненные по заказу оттиски — имели колоссальный успех. В результате другие художники сразу же принялись их имитировать. Как раз в 1796 художник стал использовать ставший впоследствии широко известным псевдоним Хокусай. В 1800, в возрасте 41 года, художник стал называть себя Гакэдзин Хокусай — «Безумный живописью Хокусай».В 1812 начинается его тесная дружба с художником Бокусэном (1775—1824), в результате чего между 1814 и 1834 в г. Нагоя выходила серия иллюстрированных альбомов «Хокусай манга» («Рисунки Хокусая»). Знаменитая серия пейзажных гравюр «Фугаку сандзюроккэй» («36 видов горы Фудзи») начала выходить в 1831. А в начале 1830-х гг. Хокусай выпустил гравюры известных водопадов, мостов, птиц и привидений, т. е. те работы, которыми он известен более всего в наше время. В 1839 в мастерской Хокусая случился пожар, уничтоживший все наброски и рабочие материалы. После этого Хокусай, по всей видимости, рисовал совсем немного, и практически не выпускал гравюр и книжных иллюстраций. Хокусай умер 10 мая 1849 года в городе Эдо.

Работы Китагавы Утамаро (70 шт. Радужные работы художника Shu-Mizoguchi.

Хасэгава Тохаку. Кацусика Хокусай. Китагава Утамаро.

Китагава Утамаро: Альбом.

Хасэгава Тохаку. Кацусика Хокусай. Китагава Утамаро.  
 
 
 
 
 

Вопрос 31. Ж. Давид, Дж. Констебл 
 

     К началу XIX века общепризнанным лидером  среди художников был Жак Луи  Давид - самый последовательный представитель неоклассицизма. Свое художественное образование он начал в мастерской Вьенна, с 1766 года учился в Королевской Академии живописи и скульптуры, а в 1771 году успешно участвовал в конкурсе на Римскую премию картиной «Битва Минервы с Марсом» (1771; Лувр). Картина была написана в духе академической манеры того времени, однако же, успех картины не обеспечил Давиду желанной награды. Профессор Вьен, возможно, задетый тем, что ученик выступил, предварительно его не осведомив, в целях педагогического воздействия, отклонил премию под тем предлогом, «что для первого раза Давид может считать себя счастливым уже потому, что он понравился своим судьям». Почтительный к старшим, Давид доброжелательно объяснял поступок профессора так: «Я думаю, что Вьен говорил так для моей пользы, по крайней мере я не могу предположить никакой другой цели со стороны учителя» Замятина А.Н. Давид. С. 15.. Две следующие попытки добиться желаемого так же оказались безуспешными, и когда в 1774 году Давид за картину «Антиох, сын Селевка, короля Сирии, больной любовью, которою он проникся к Стратонике, своей мачехе, врач Эразистрат обнаруживает причину болезни» добился, наконец, долгожданной награды, то известие о победе так потрясло его, что он упал в обморок и, придя в себя, откровенно воскликнул: «Друзья мои, в первый раз за четыре года я вздохнул легко» Князева В. Ж.Л. Давид. С. 16.. Те стилистические изменения, которые заметны в этой картине по сравнению с «Боем Марса и Минервы», не являются проявлением творческой индивидуальности Давида, а лишь отражают те сдвиги, которые происходят в официальном искусстве. Господствующий стиль рококо изживает себя в эфемерном возрождении академизма и в возврате к классическим традициям XVII века: характер сюжета конкурсной картины представляет собой исторический анекдот, но приемы его разработки остались по существу теми же.
     Таким образом, лишь в 1775 г. осуществляется поездка  в Италию, куда он отправляется как  стипендиат Академии вместе с Вьенном. Путешествие было для Давида началом  нового периода его ученичества. До сих пор он затверживал приемы изображения, теперь он учится воспринимать впечатления художественных образов живописи и скульптуры. Италия раскрыла Давиду глаза на античный мир. Свое обращение к античности Давид любил связывать с именем Рафаэля: «О, Рафаэль, божественный человек, ты, поднявший меня постепенно до античности… Ты же дал мне возможность понять, что античность еще выше тебя» Шнаппер А. Давид свидетель своей эпохи. С. 37..
     Давид захотел вновь учиться, но уже  противоположным методом, исходя не из изучения приемов без отношения к содержанию, но овладевая этими приемами, как средством выражения содержания, которое может быть бесконечно увлекательным и о котором надо уметь рассказать на языке живописцев. Александр Левуар так описывает поведение Давида: «Он не писал больше; как юный школьник, он принялся рисовать в течение целого года глаза, уши, рты, ноги, руки и довольствовался ансамблями, копируя с лучших статуй…» Замятина А.Н. Давид. С. 21..
     В голове Давида уже возникали творческие замыслы, в которых он стремился к такому идеалу: «Я хочу, чтобы мои работы носили бы отпечаток античности в такой мере, что если бы один из афинян вернулся в мир, они показались бы ему работой греческих живописцев» Вентури Л. Художники нового времени. С. 39..
     И уже в первой картине, показанной по возвращении из Италии, «Велизарий, узнанный солдатом, который служил под его командованием, в тот  момент, когда женщина подает ему  милостынго» (1781; Лилль, Дворец изящных  искусств), он попытался осуществить задуманное. Показательно, что Давид берет теперь не мифологический сюжет, а исторический, хотя и овеянный легендой. Стиль искусства Давида в этой картине уже достаточно четко выявился.
     Однако  важно отметить, что в этом же Салоне было выставлено другое произведение Давида - портрет графа Потоцкого (1781; Варшава, Национальный музей). Поводом к написанию портрета послужил жизненный эпизод: в Неаполе Давид стал свидетелем того, как Потоцкий усмирил необъезженного коня. Пусть несколько театрален жест Потоцкого, приветствующего зрителя, но по тому, как конкретно, со всеми характерными подробностями, художник передал облик портретируемого, как нарочито подчеркнул небрежность в одежде, как противопоставил спокойствие и уверенность седока горячему беспокойному нраву лошади, видно, что художнику не была чужда передача реальной действительности в ее живой конкретности. С этих пор творчество Давида идет как бы по двум направлениям: в исторических картинах на античные темы художник в отвлеченных образах стремится воплотить идеалы, волнующие предреволюционную Францию; с другой стороны, он создает портреты, в которых утверждает образ реального человека. Эти две стороны его творчества остаются разобщенными вплоть до революции.
     Так, в 1784 году Давид пишет «Клятву  Горациев» (Лувр), которая явилась первым реальным триумфом Давида и которая, несомненно, была одним из предвестников Революции. В «Клятве Горациев» Давид заимствует сюжет из античной истории, для того чтобы воплотить передовые идеи своего времени, а именно: идею патриотизма, идею гражданственности. Эта картина с ее призывом к борьбе, к свершению гражданского подвига - одно из ярких проявлений революционного классицизма со всеми его стилистическими особенностями. Солдатская тривиальность принесения клятвы, мелодраматическая поза отца, манерная томность женщин мешают видеть художественные достоинства этого произведения. Но в то же время никто не может забыть, что в этом произведении в первый раз изобразительная риторика выражена с такой простотой, с таким умением подчеркнуть контраст между силой воинов и слабостью женщин.
     Как бы восполняя отсутствие индивидуального, конкретного момента в художественном строе своих исторических композиций, Давид пишет портреты г-на и г-жи Пекуль (Лувр). Если в «Клятве Горациев»  художник дает идеализированные, несколько абстрагированные образы, то здесь, напротив, он прибегает к утверждению материального мира без всякой его идеализации. Художник показывает некрасивые руки своих моделей с толстыми короткими пальцами, а в портрете г-жи Пекуль - ожиревшую шею, кожа которой нависает на жемчуг. Благодаря костюму и типу этой женщины в этом портрете не чувствуется ничего от классицизма. Из изучения классической формы Давид почерпнул только мощное построение, которое, с одной стороны, подчеркивает жизненную силу модели, а с другой - ее вульгарность.
     Давид в своих портретах представляет то, что непосредственно наблюдает  в действительности и, может быть, даже не желая этого, создает образы людей, которые довольны собой, своим  богатством и охотно выставляют его напоказ.
     Джон  Констебл родился 11 июня 1776 в Ист-Бергхолте (графство Суффолк). В 1799 поступил в Королевскую Академию искусств, в 1829 был избран члены Академии. Позднее признание творчества художника было отчасти обусловлено его принципиально новой, не соответствовавшей нормам академического искусства трактовкой природы. Новизна пейзажей Констебла стала результатом его глубокого научного интереса к эффектам отраженного света, которые он тщательно изучал. Физик Майкл Фарадей и химик Джордж Филд восхищались работами художника. В первом варианте картины Телега для сена (Лондон, музей Виктории и Альберта) Констебл благодаря тонкому умению различать цветовые и световые нюансы передал многочисленные градации тона и оттенки цвета. Однако в другом варианте той же картины (1821, Лондон, Национальная галерея) он, предвидя критику в адрес своего необычного живописного стиля, заменил свежесть «первого впечатления» (по его собственному выражению) более сдержанной, почти монохромной цветовой гаммой, что привело к утрате ощущения сиюминутности и изменчивости. Открытия Констебла, близкие поискам естествоиспытателей 19 в., а также голландских художников 17 в. Хоббемы, Рейсдала и Кейпа, оказали большое влияние на его последователей за пределами Англии, в первую очередь на французских импрессионистов. Умер Констебл в Лондоне 31 марта 1837.
     
     
     
     
       
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Вопрос 33. Дж. Тернер, К. Коро 
 

     ТЁРНЕР  Джозеф Мэллорд Уильям (1775-1851) - английский живописец, рисовальщик, гравер, мастер романтического пейзажа, оказавший влияние на формирование импрессионистического направления.
     Родился в семье цирюльника. Брал уроки живописи у Т.Молтона (ок.1789), учился в Королевской Академии в Лондоне (1789-1793). В 1802 г. стал академиком, а в 1809 г. профессором в академических классах. Совершал многочисленные поездки по Англии и Уэльсу, путешествовал во Францию и Швейцарию (1802), Голландию, Бельгию и Германию (1817), Италию (1819, 1828). Творческая манера сложилась в основном под влиянием К.Лоррена, Р.Уилсона и голландских маринистов.
     Именно  живопись голландских мастеров подсказала Тёрнеру сюжет одной из ранних работ "Мол в Кале" (1802-1803, Национальная галерея, Лондон), изображающей разыгравшуюся природную стихию и противостоящих ей людей. В отличие от гладкой и ровной живописи голландцев картина Дж.Тёрнера представляет собой пример свободного использования разнообразных художественных приемов и необычайную широту колористической палитры: от чистых голубых, красных, белых цветов до сложных оттенков свинцово-серых и коричневых тонов. Тот же напряженный драматизм характерен и для написанного в 1805 г. "Кораблекрушения" (Галерея Тейт, Лондон), уже полностью пронизанного духом романтизма. Величие и грандиозный масштаб происходящего подчеркнуты резким цветовым контрастом темного и светлого, холодного (изумрудные отливы темного моря) и горячего (красные и желтые пятна, изображающие человеческие фигуры).
     Дж.Тёрнер очень редко пользовался этюдами, написанными с натуры, обычно он ограничивался карандашными набросками и записями своих впечатлений. Так  на основании записей и зарисовок  были созданы его швейцарские  акварели (1800-е).
     В содержании пейзажей Дж.Тёрнера всегда присутствует элемент борьбы как неотъемлемой части жизни. Даже в тех случаях, когда он воспроизводит природу в моменты тишины и покоя, он создает величественное полотно, отражающее полное торжество стихии света или тьмы ("Морозное утро", 1813, Галерея Тейт, Лондон).
     Новаторское для своего времени мироощущение Дж.Тёрнер старался спрятать за изображением условных классицистических пейзажей, служащих фоном для некоторых  его картин на мифологические и исторические темы ("Ганнибал, пересекающий Альпы в метель", 1819, Галерея Тейт, Лондон; "Улисс и Полифем", 1828-1829, Национальная галерея, Лондон).
     Жан-Батист Камиль Коро (1796–1875) – французский  художник-пейзажист, родился в Париже. Коро был одним из самых влиятельных художников 19 века.
     Сын владельца магазина, он работал в  текстильной лавке до 1822 года. Именно в этом году в биографии Жана-Батиста  Коро началось увлечение живописью. Классические пейзажисты Мишалон, Бертен были его учителями.
     В 1825 году Коро совершил свою первую поездку  в Италию. В это время он рисовал  спокойные, изысканные римские здания (например, «View of the Farnese Gardens», 1826, Вашингтон). После возвращения во Францию, Коро жил в основном в Виль-Д’Эвре. Эти местности изображались на многочисленных известных полотнах художника, некоторые из них представлены в музее «Метрополитен».
     В 1834, 1843 Коро снова работал в Италии, также путешествовал в Швейцарию, Голландию, Англию. Начиная с 1827 года в биографии Коро регулярно проходили выставки в художественных салонах. Известные работы художника изображали сельские пейзажи без украшений, идеализации крестьян или их труда. Он использовал наброски, сделанные с натуры, добавлял их к студийным композициям, иногда рисовал пейзажи целиком с натуры.
     Римские картины Коро отмечены благодаря  простоте форм, чистоте света (например, «Colisseum», «Forum», обе картины находятся  в Лувре). Поздние работы в биографии  Жана-Батиста Камиля Коро более лиричны в оттенках, первоначально нарисованы в зеленом и сером тонах. Эти полотна были не так популярны, как ранние. Деликатное обращение со светом отобразилось в картинах «Femme a la Perle», «Interrupted Reading». Работы Коро представлены в лучших галереях Англии, Франции, США.
     
     
       
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Вопрос 35. О. Домье, В. Ван  Гог 
 

     Оноре Домье (1808 - 1879) – французский карикатурист, художник, скульптор. Биография Домье  широко известна как великого социального  сатирика своих дней.
     Будучи  сыном марсельского стекольщика, он вместе с семьей переехал в Париж  в 1816 году. Там получил образование  у Ленуара, также обучался литографии. Вскоре Домье стал выполнять карикатуры к еженедельнику «Caricature». В 1832 году изображение Луи Филиппа послужило основанием для заключения Домье в тюрьму на шесть месяцев.
     Двое  выдающихся литографий «Rue Transnonain», «Le Ventre legislatif» свидетельствуют о  раннем стиле, горьком, ироничном видении  художника. После подавления «Caricature»  его работы появлялись в «Charivari», где Домье безжалостно осмеивал буржуазное общество в очень реалистичном стиле.
     Наслаждаясь в свое время выполнением карикатур (которых, к слову, он выполнил более 4000), сегодня Домье рассматривается  как один из лучших мастеров своего дела. Также за биографию Оноре Домье было выполнено около 200 небольших полотен с драматической мощью, стилистически близких к литографским оттискам. Среди них: « Christ and His Disciples», «Republic» (Лувр), «Three Lawyers» (Вашингтон), романтичные «Don Quixote», «The Third-Class Carriage» (обе картины в музее «Метрополитен»).
     Также Домье выполнил около 30 скульптур  – небольших, окрашенных бюстов. Примеры  его работ в этой области находятся  в галерее искусств Уолтера, Балтимор. В последние годы художник страдал от прогрессирующей слепоты.
     Винсент Ван Гог (Vincent Van Gogh) (1853-1890), голландский художник. Родился 30 марта 1853 в Гроот Зюндерт (Нидерланды) в семье кальвинистского священника. Три дяди Винсента занимались торговлей произведениями искусства. По их примеру и под их влиянием в 1869 году он поступил в компанию "Гупиль", продававшую картины, и работал в ее отделениях в Гааге, Лондоне и Париже, пока в 1876 году не был уволен за некомпетентность. В 1877 году Ван Гог приехал в Амстердам изучать богословие, но, провалившись на экзамене, поступил в миссионерскую школу в Брюсселе и стал проповедником в Боринаже, шахтерском районе Бельгии. В это время он начал рисовать. Зиму 1880-1881 годов Ван Гог провел в Брюсселе, где изучал анатомию и перспективу. Тем временем его младший брат Тео поступил в отделение компании "Гупиль" в Париже. От него Винсент получал не только скромное содержание, но также и моральную поддержку, несмотря на их частые расхождения во взглядах.
     В конце 1881 года после ссоры с отцом, Ван Гог поселился в Гааге. Некоторое время он учился у известного пейзажиста Антона Мауве. Эксцентричное поведение Ван Гога, усугублявшееся застенчивостью, оттолкнуло от него тех, кто хотел ему помочь. Он жил с женщиной по имени Кристина, происходившей из низших слоев общества, и часто изображал ее на картинах. Когда она ушла от него, художник в конце 1883 года вернулся к родителям, которые жили тогда в Нюэнене. В работах нюэненского периода (1883-1885) начинает проявляться своеобразие творческой манеры Ван Гога. Мастер пишет темными красками, сюжеты его работ однообразны, в них чувствуется симпатия к крестьянам и сострадание к их тяжелой жизни. Первая большая картина, созданная в нюэненский период, - "Едоки картофеля" (1885, Амстердам, фонд Ван Гога), - изображает крестьян за ужином.
     Зимой 1885-1886 годов Ван Гог отправился в Антверпен. Там он посещал занятия  в Академии художеств. Художник вел  полунищенское и полуголодное существование. В феврале 1886 года, в состоянии  физического и духовного истощения, он уехал из Антверпена к брату в Париж. Здесь Ван Гог поступил в мастерскую художника-академиста Фернана Кормона, однако гораздо важнее для него было знакомство с живописью импрессионистов. Он встречался со многими молодыми художниками, в том числе с Тулуз-Лотреком, Эмилем Бернаром, Полем Гогеном и Жоржем Сера. Они научили его ценить японскую гравюру; ее линейный рисунок, плоскостность и отсутствие моделировки оказали большое воздействие на формирование новой живописной манеры Ван Гога. Ненадолго он увлекся дивизионистской техникой Сера, но строгая и методичная манера живописи не соответствовала его темпераменту.
     После двух лет, проведенных в Париже, Ван Гог, не выдержав сильного эмоционального напряжения, в феврале 1888 года уехал в Арль. В этом южнофранцузском городе он нашел обилие сельских сюжетов, которые так любил писать. Летом 1888 года художник создал некоторые из своих наиболее спокойных произведений: "Почтальон Рулен" (Бостон, Музей изящных искусств), "Дом в Арле" (Амстердам, фонд Ван Гога) и "Спальня художника в Арле" (Чикаго, Художественный институт), а также несколько натюрмортов с подсолнухами. Вдохновленный образами японской гравюры и яркими работами импрессионистов, он написал картину, которая по праву считается одним из лучших его произведений: "Ночное кафе" (картинная галерея Йельского университета).
     Ван Гог жил в полном одиночестве, питался только хлебом и кофе и  много пил. В этих обстоятельствах визит Поля Гогена в октябре 1888 года, которого Ван Гог ждал с нетерпением, закончился трагическим конфликтом. Эстетическая философия Гогена была неприемлема для Ван Гога; их споры становились все напряженнее и ожесточеннее. 24 декабря Ван Гог, потеряв способность контролировать себя, набросился на Гогена, а затем отрезал себе ухо. В мае 1889 года он добровольно поселился в психиатрической лечебнице в Сен-Реми. В течение следующего года его рассудок временами прояснялся, и тогда он бросался писать; но эти периоды сменялись депрессией и бездеятельностью. В это время он написал знаменитые пейзажи с кипарисами и оливами, натюрморты с цветами и копировал по репродукциям картины своих любимых художников Милле и Делакруа.
     В мае 1890 года Ван Гог почувствовал себя лучше, покинул приют и, вернувшись на север, поселился в Овер-сюр-Уаз у доктора Поля Гаше, интересовавшегося искусством и психиатрией. В Овере художник написал свои последние работы - два портрета доктора Гаше (Париж, музей Д'Орсе, и Нью-Йорк, коллекция Зигфрида Крамарски). Последние картины Ван Гога - виды пшеничных полей под жарким тревожным небом, в которых он пытался выразить "грусть и крайнее одиночество". Винсент Ван Гог умер 27 июля 1890 года.
     В искусстве Ван Гога доминирует всепоглощающая потребность самовыражения. В своих лучших произведениях он выступает как первый и наиболее яркий экспрессионист. Его страдания и борьба с судьбой отражены в яркой прозе нескольких сот писем, адресованных в основном брату.
     
     
     
       
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Вопрос 37. О. Ренуар, Э. Мане 
 

     Огюст Ренуар (Auguste Renoir) родился в Лиможе; когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Париж. Происходил он из бедной семьи, и поэтому с юности был вынужден зарабатывать себе на жизнь. Расписывал от руки фарфоровые чашки, пока внедрение механизации не лишило его этого заработка. Тогда он подрядился писать религиозные сцены в мастерской, которая поставляла шторы с церковными сюжетами миссионерам, работавшим в Африке. Здесь Ренуар накопил сумму, достаточную для того, чтобы бросить приработок и целиком отдаться учению, - он поступил в мастерскую Глейра, где познакомился с Моне, Базилем и Сислеем. Так сложилась маленькая группа художников, которая возглавила новые искания в живописи.
     Вместе  с Клодом Моне Ренуар писал маленькие  картины-этюды, которые заканчивал прямо под открытым небом. Излюбленным  местом их работы был так называемый "Лягушатник" - местечко на Сене под Парижем, где располагались общественные купальни и ресторан. Там бывало смешанное общество и постоянно царило праздничное настроение. Эту атмосферу непринужденного времяпровождения на берегу реки запечатлели в своих картинах молодые художники. В картине "Купанье на Сене" (1869), хранящейся в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве, яркие пятна одежды парижан, зелень деревьев, отблески света на воде слагаются в единую живую гармонию солнца и движения.
     Когда была объявлена франко-прусская война, художника призвали в армию, и  он проходил службу в полку конных стрелков в Бордо. Видя его жизнерадостность, командир советовал ему продолжать военную карьеру. "Что, если бы я  занялся всеми профессиями, которыми меня пытались соблазнить! - восклицал в старости Ренуар, беседуя с молодым торговцем картинами Волларом. - Я уже рассказывал вам, что в моей юности Гуно - мой преподаватель сольфеджио в коммунальной школе, где я учился, - настаивал, чтобы родители отдали меня учиться пению".
     Могучая витальная сила, радостное восприятие мира, врожденные таланты и быстрота реакции, присущие Ренуару, делали его  одаренным во многих областях, но он все силы своей души вложил в живопись. Поэтому среди картин других импрессионистов его работы привлекают особой теплотой, которую, кажется, источают краски, в них чувствуется, как бьется пульс жизни и в то же время видна свободная живописная работа кисти.
     В семидесятые годы Ренуар создает  картины, которые стали классикой живописи французского импрессионизма. Среди них - "Обнаженная" (Москва, ГМИИ им. А. С. Пушкина), для которой позировала натурщица Анна. Под названием "Этюд" эта работа была показана на второй выставке импрессионистов в 1876 году. В XIX столетии художники писали обнаженную модель, как правило, в оправе мифологического или исторического жанра. Нагота считалась признаком условности сюжета. Обнаженную натуру писали как бы безлично, передавая идеальные формы тела, но не связывали их с человеческой индивидуальностью. В "Обнаженной" Ренуар соединяет черты жанра ню и портрета. Лицо молодой темноволосой женщины подчеркнуто индивидуально, это цветущая, уверенная в себе парижанка. Нагота не смущает ее, она спокойно сидит, вполоборота повернувшись к зрителю. Ее фигура несколько полновата и тяжеловесна, но прекрасна зрелой женской красотой. Ренуар любуется мягко круглящимися формами, передает холодноватые тени, скользящие по бедрам, по спине, подчеркивающие живую трепетность тела.
     В картинах Ренуара часто соединяются разные жанры живописи. Он любит писать своих друзей и их подружек под сенью деревьев, освещенными солнцем, сочетая портрет и жанровую сцену с пейзажем. В картине "Качели" (1876, Париж, Лувр) он изобразил уголок одного из парижских садов. Девушка в розовом платье, украшенном множеством бантиков, кокетничая с двумя молодыми людьми в соломенных канотье, встала на доску качелей, подвешенных под деревом. Этот мотив балансирующего равновесия, подвижной неподвижности может рассматриваться как метафора импрессионнистической картины вообще. Ведь в ней главное - изменчивость, движение, и в то же время художник-импрессионист всегда схватывает момент определенной статичности, уравновешенности форм. "Качели" Ренуара наполнены игрой солнечных зайчиков, проникающих сквозь ажур листвы и будто перебегающих с места на место. Воздух и свет здесь слиты воединно и охватывают текучей мягкой атмосферой персонажей картины.
     Ренуар  любит писать людей, занятых непринужденной беседой, светской болтовней, легким флиртом, сидящих с цветами, с книгой, за рюмкой вина где-нибудь на берегу реки или в беседке, увитой зеленью. Котята, маленькие собачки, дети - непременные участники его картин, вносят в них ощущение нежности и игривости. Художнику была чужда назидательность Курбе, сатира Домье. В молодости он подражал ориенталистским сценам Делакруа, но восточные сюжеты - гарем и одалиски - влекли его красочностью, а не экзотикой. Он первым открыл живописность, острую характерность, выразительность поз и типов в окружающей современной жизни. Его сотоварищ по импрессионистским выставкам Эдгар Дега тоже был наблюдателем парижских типов и нравов, но спектр его впечатлений был гораздо уже, а взгляд на жизнь был омрачен грустью и иронией. Ренуар же не хотел замечать печальных сторон жизни, видимо, они ему были слишком хорошо знакомы в пору его нищей юности.
     В 1881 году он написал большую картину "Завтрак лодочников" (Вашингтон, галерея Филипс). Здесь вновь была запечатлена атмосфера многолюдного дружеского общения, молодости и веселья. В левой части картины Ренуар изобразил молоденькую девушку в шляпке, украшенной цветами. Она играет с собачкой, которую посадила прямо на стол. Эта девушка спустя некоторое время стала женой художника.
     К Ренуару пришло признание. Отчасти  он был обязан этим своему умению писать портреты. Несколько семейных портретов, исполненных им и висевших на видном месте в богатых домах, послужили его славе больше, чем участие во многих выставках группы импрессионистов, во время которых только сыпались насмешки критиков. Ренуар не льстил своим моделям. Просто он смотрел на них так же радостно и весело, как и на все вокруг, и поэтому люди в его портретах всегда выглядели счастливыми и красивыми.
     Ренуар  продолжал плодотворно работать до глубокой старости. Его многочисленные "Обнаженные", для которых позировали служанки, жившие в доме, стали гимном жизни и молодости, который не уставал петь художник, пока кисть еще держалась у него в руках. Умер он в 1919 году.
и т.д.................


Перейти к полному тексту работы


Скачать работу с онлайн повышением уникальности до 90% по antiplagiat.ru, etxt.ru или advego.ru


Смотреть полный текст работы бесплатно


Смотреть похожие работы


* Примечание. Уникальность работы указана на дату публикации, текущее значение может отличаться от указанного.