На бирже курсовых и дипломных проектов можно найти образцы готовых работ или получить помощь в написании уникальных курсовых работ, дипломов, лабораторных работ, контрольных работ, диссертаций, рефератов. Так же вы мажете самостоятельно повысить уникальность своей работы для прохождения проверки на плагиат всего за несколько минут.

ЛИЧНЫЙ КАБИНЕТ 

 

Здравствуйте гость!

 

Логин:

Пароль:

 

Запомнить

 

 

Забыли пароль? Регистрация

Повышение уникальности

Предлагаем нашим посетителям воспользоваться бесплатным программным обеспечением «StudentHelp», которое позволит вам всего за несколько минут, выполнить повышение уникальности любого файла в формате MS Word. После такого повышения уникальности, ваша работа легко пройдете проверку в системах антиплагиат вуз, antiplagiat.ru, etxt.ru или advego.ru. Программа «StudentHelp» работает по уникальной технологии и при повышении уникальности не вставляет в текст скрытых символов, и даже если препод скопирует текст в блокнот – не увидит ни каких отличий от текста в Word файле.

Результат поиска


Наименование:


Контрольная Проторенессанс (2-ая половина 13в. - 14 в.)

Информация:

Тип работы: Контрольная. Предмет: История. Добавлен: 25.2.2014. Сдан: 2013. Страниц: 71. Уникальность по antiplagiat.ru: < 30%

Описание (план):


1. Проторенессанс (2-ая половина 13в. - 14 в.)
Эпохе Возрождения предшествовал не менее важный исторический период, получивший название «Проторенессанс». Зарождение новых направлений в изобразительном искусстве и архитектуре, формирование оригинальных литературных жанров и стремительное развитие науки - на рубеже ХIII-XIV веков происходили постепенные, но глобальные изменения мировоззрения. Это период перехода от Средневековья к эпохе Возрождения.
Внимание к античным традициям привело к тому, что мыслители и художники стали проявлять больше внимания к личности человека, его внутреннему миру и сокровенным желаниям. Характерными чертами проторенессанса являются робкие попытки привнести в искусство чувственность, сделать его более эмоциональным и человечным.
Обращение к античности - основа проторенессанса. Более или менее успешные попытки соединения натурализма и идеализма наблюдались во многих странах средневековой Европы, но только в Италии они нашли свое продолжение и привели к истинному Возрождению.
Важную роль в развитии предренессансного искусства сыграли византийские тенденции, которые были привнесены в Венецию из разгромленного крестоносцами Константинополя. Чувственная трактовка образов, характерная для живописи христианского Востока, стала важнейшим фактором, который оказал решающее влияние на развитие всей западно-европейской культуры в целом. Однако из Византии мастера проторенессанса стали заимствовать не восточные, а эллинистические элементы. Сюжеты, буквально списанные с римских саркофагов, приобретали иной смысл. Но полного соединения античных форм и обновленной христианской идеологии еще не произошло. Гармоничный симбиоз наступит в последующую эпоху - в период истинного итальянского Ренессанса.
Яркая личность Джотто выделяется среди итальянских мастеров Проторенессанса прежде всего склонностью к новаторству, к созданию новой художественной манеры, предопределившей классический стиль грядущей эпохи Возрождения.
В своих работах Джотто подчас достигал такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения. Он работал как живописец, скульптор и архитектор. Но все же главным его призванием была живопись.
Многолетняя деятельность Джотто подняла престиж живописи среди других искусств. Благодаря ему итальянская живопись в течение нескольких лет изменилась радикальнее, чем за многие предшествующие столетия. В целом толчок, который Джотто придал изобразительному мышлению, определил дальнейшее направление западной живописи. Уже к середине XIV века Европа познакомилась с новациями Джотто - открытием объемности предметов, реального и измеримого пространства, в котором они помещаются, естественных качеств поверхности вещей, индивидуализирующих черт реальности, - все это сделалось достоянием европейского искусства, которое со все возрастающим интересом обращалось к изобразительной культуре итальянцев.
Джотто - первый в истории западноевропейской живописи художник, порвавший с канонами средневекового искусства и внесший в свои произведения элементы реализма. Именно у Джотто живопись перестает быть лишь вспомогательным комментарием к Священному Писанию, обретая самостоятельное значение. В его библейских сценах действуют живые люди, испытывающие живые человеческие эмоции. Для современного изощренного глаза его живопись может показаться "примитивной", однако для своего времени Джотто был величайшим революционером. До него в живописи царствовала плоскость - у него пространство картины стало объемным. До него персонажи фресок носили скорее символический характер - у него они приобрели индивидуальные черты. До него живопись была строго функциональна - у него атмосфера наполнилась разнообразными эмоциями. С творчества Джотто начинается новый этап искусства, когда пластические качества предметов и глубина пространства становятся главной задачей живописи, когда первостепенное значение приобретает моделировка объема тенью.
Его влияние простирается на целые века. Творчество Джотто заложило основу искусства Ренессанса, в великую эпоху которого его значение было не меньше, чем значение Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэля.
2. Раннее Возрождение (начало 15в. - конец 15в.)
Преодолевая готическую отвлеченность образов, развивая лучшие черты живописи Джотто, художники 15 в. Вступают на широкий путь реализма.
Раннее Возрождение - это Данте Алигьери и Франческо Петрарка, Донателло и Джованни Боккаччо, Липпи и Мазаччо. Гениальные художники Италии в XIV-XV веках создавали шедевры, которым суждено было стать символами эпохи.
Во Флоренции под покровительством семейства Медичи развивалось новое восприятие реальности, основанное на опыте и эксперименте, а разум провозглашался высшим арбитром. Изучение строения человеческого тела начинает интересовать не только медиков, но и художников. Соразмерность и натуралистичность становятся новыми критериями прекрасного. Пластическая проработка форм, создание рисунка и отображение прямолинейной перспективы - процессы, которым творцы эпохи раннего Возрождения уделяли особое внимание.
Невиданный расцвет переживают монументальная и фресковая живопись. Художники объединяют фигуру и пейзаж и впервые вводят воздушную перспективу.
По-настоящему смелым реформатором в живописи стал Мазаччо - последователь великого Джотто. Можно сказать, что Мазаччо решил те насущнейшие проблемы живописного искусства, которые поставил за столетие до этого Джотто. Уже в двух главных сценах росписи в капелле Бранкаччи флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине - «Подать» («Il tribute») и «Изгнание Адама и Евы из рая» - Мазаччо показал себя художником, для которого было ясно, как помещать фигуры в пространстве, как связывать их между собой и с пейзажем, каковы законы анатомии человеческого тела. Сцены Мазаччо полны драматизма, жизненной правды: в «Изгнании из рая» Адам от стыда закрыл лицо руками. Ева рыдает, запрокинув в отчаянии голову. В сцене «Подать» объединены сразу три сюжета: Христос с учениками у ворот города, остановленный сборщиком податей,- это центральная композиция; Петр, по велению Христа вылавливающий рыбу, чтобы достать из нее необходимую для уплаты монету (дидрахму, или статир, отсюда и другое название фрески - «Чудо со статиром»),- композиция слева; сцена выплаты подати сборщику - справа. Сам принцип соединения на одной плоскости трех сцен еще архаичен, но то, как эти сцены написаны - с учетом линейной и воздушной перспективы,- явилось подлинным откровением и для современников Мазаччо, и для всех последующих мастеров. Мазаччо первый решил главные проблемы Кватроченто -линейной и воздушной перспективы. Вдаль уходят холмы и деревья, образующие естественную среду, в которой пребывают герои и с которой органично связаны фигуры. Естественно располагается в пейзаже центральная группа - Иисус и его ученики. Между фигурами создается как бы воздушная среда. Мазаччо не побоялся сообщить портретные черты группе учеников Христа в центре: в правой крайней фигуре современники видели самого Мазаччо, в лице слева от Христа усматривали сходство с Донателло. Естественным было и освещение: оно соответствовало реальному свету, падающему с правой стороны капеллы.
Фрески Мазаччо с момента их появления способствовали тому, что церковь Санта Мария дель Кармине превратилась в своеобразную академию, где учились поколения художников, вплоть до Микеланджело, испытавшего несомненное влияние Мазаччо. Умение Мазаччо связывать в единое действие фигуры и пейзаж, драматически и вместе с тем вполне естественно передавать жизнь природы и людей - в этом огромная заслуга живописца, определившая его место в искусстве. И это тем более удивительно, что Мазаччо прожил на свете немногим более четверти века.
На смену интуиции, на которой основывались в своём творчестве художники проторенессанса, приходят научные знания. Появляются первые трактаты об искусстве, которое становится универсальным объектом для познания.
Пластически цельная, обладающая внутренним единством концепция мира - важнейшее достижение художников и философов раннего Возрождения.
Брунеллески Филиппо (Brunelleschi Phillipi) (1377-1446) - один из величайших итальянских зодчих XV столетия. Флорентийский архитектор, скульптор, ученый и инженер работал во Флоренции в первой половине XV века - в период Раннего Возрождения.
Филиппо Брунеллески начал свою творческую карьеру как скульптор в 1401 году, разделив с Гиберти первое место в конкурсе на оформление дверей флорентийского баптистерия. Однако колоссальное влияние Брунеллески на современников связано прежде всего с архитектурой. Принципиальную новизну его творчества они видели в воскрешении античных традиций. Альберт называл его первым среди тех, кто способствовал возрождению искусства во Флоренции, и посвятил ему «Трактат о живописи», а историк Джованни Ручеллаи причислил его к четырем знаменитейшим гражданам Флоренции.
Однако для сегодняшних критиков новаторство Брунеллески представляет более сложную проблему, чем это казалось людям его эпохи. Его творчество проникнуто глубоким пониманием гармонической природы античной архитектуры, рациональной ясности ее тектонических принципов. А также установлено, что прототипы большинства решений и излюбленных мотивов Брунеллески можно обнаружить не столько в античной, сколько в старой тосканской архитектуре.
У Брунеллески еще сохранились воспоминания о традиционном, восходящем к готике каркасном принципе, который он смело связал с ордером, тем самым подчеркнув организующую роль последнего и отведя стене роль нейтрального заполнения. Развитие его идей можно увидеть в современной мировой архитектуре.
Уже первое архитектурное произведение Брунеллески - величественный восьмигранный купол Флорентийского собора (1420-1436), является первым крупным памятником архитектуры Возрождения и воплощением его инженерной мысли, так как был возведен с помощью специально изобретенных для этого механизмов. После 1420 года Брунеллески стал самым известным архитектором Флоренции.
Одновременно с сооружением купола, в 1419-1444 годах Брунеллески руководил постройкой приюта для сирот - Воспитательного дома (Оспедале ди Санта Мария дельи Инноченти), который по праву считается первым памятником стиля Ренессанс в архитектуре. Италия еще не знала здания, которое было бы так близко к античности по своему строю, естественности облика и простоте форм. К тому же это был не храм или дворец, а муниципальный дом - приют для сирот. Графическая легкость, дающая ощущение свободного, ничем не стесненного пространства, стала отличительной особенностью этого здания, и впоследствии составляла неотъемлемую черту архитектурных шедевров Филиппо Брунеллески.
Он открыл основные законы линейной перспективы, возродил античный ордер, поднял значение пропорций и сделал их основой новой архитектуры, не отказываясь в то же время от средневекового наследия. Изысканная простота и вместе с тем гармония архитектурных элементов, объединенных соотношениями «божественной пропорции» - золотого сечения, стали атрибутами его творчества. Это проявлялось даже в его скульптурах и барельефах.
Фактически Брунеллески стал одним из «отцов» Раннего Возрождения, наряду с живописцем Мазаччо и скульптором Донателло - три флорентийских гения открыли новую эпоху в архитектуре и изобразительном искусстве...
Донато ди Никколо ди Бетто Барди вошел в историю искусств под уменьшительным именем Донателло (1386-1466). Донателло принадлежит к числу самых смелых реформаторов итальянского искусства. Пожалуй, ни один другой скульптор его поколения не соприкоснулся так тесно с духовным миром флорентийского «гражданского гуманизма», не воспринял столь глубоко его новых художественных идей. Недаром творчество Донателло высоко ценилось в гуманистических кругах, а дружеские отношения связывали его не только с Филиппо Брунеллески, но и с такими видными гуманистами, как Поджо Браччолини и Никколо Никколи.
В то же время творчество Донателло представляет одно из самых сложных явлений в художественной жизни Италии XV века и не укладывается в рамки одной тенденции. Новаторская универсальность этого гения поразительна. Донателло свойственны огромная творческая смелость и неустанные поиски нового, постоянно побуждающие его выходить за пределы уже найденных решений, ему равно доступны трагический пафос и бурная радость, возвышенная красота и беспощадная верность натуре. Он мог находить близкие его творческому воображению черты и в античности, и в пластике Джованни Пизано. Образам Донателло присуще героическое начало и драматическое напряжение, находящее выражение то в волевой собранности Cв. Георгия, то в ликовании Амура-Атиса, то в грозной отчужденности Мадонны падуанского алтаря.
Донателло наделил скульптурные образы яркой индивидуальностью, глубокой человечностью, так что его святые и герои кажутся вполне реальными личностями. Он создал первую в постантичном искусстве обнаженную статую - бронзового Давида, и первый конный монумент - скульптуру кондотьера Гаттамелаты. Он первый добился в рельефе впечатления пространства, применяя законы перспективы.
Наконец, Донателло прошел очень долгий творческий путь. В его искусстве как бы концентрируются сложность и драматические противоречия более чем полувекового развития Италии. Еще при жизни Донателло достиг большой славы, и по праву наряду с архитектором Брунеллески и художником Мазаччо считается "отцом" Раннего Возрождения.

3. Высокое Возрождение (конец 15 в. - первые 20 лет 20 в.)
Золотой период Высокого Возрождения - довольно короткий и в то же время один из самых значительных периодов в искусстве Европы. Его расцвет пришелся на последнее десятилетие 15 и первые десятилетия 16 века. Именно в эти годы родились на свет величайшие творения настоящих титанов Возрождения.
Ярчайшие представители Высокого Возрождения: Леонардо Да Винчи, Микеланджело Буонаротти, Антонио Корреджо, Рафаэль Санти, Джорджоне, Тициан. Именно они творили культуру Италии и Европы во времена влияния на искусство Римского Папы Юлия II, человека весьма честолюбивого, предприимчивого и смелого, сумевшего собрать ко двору лучших художников.
Особенности Высокого Возрождения
Первое, что стоит отметить в работах этого периода - чрезвычайное расширение кругозора авторов. Меняется представление о человеке и месте его в этом мире. Художники Высокого Возрождения уходят от прежних устоев. Теперь они творческие создатели, люди культуры, заставляющие считаться с собой даже самых аристократичных представителей общества.
Главным мотивом искусства во всех работах времени Высокого Возрождения является образ гармонически развитого прекрасного человека, совершенного как физически, так и духовно, наполненного жизнью, титанической мощью, значительностью и при этом не отвлеченного от действительности. Художники стремятся к выделению основного сюжета и уходу от мелочей.
Художественный образ Высокого Возрождения
При Юлии II Рим становится чем-то вроде новых Афин времен Перикла. Художники уделяют все свое внимание изучению античности, ее воспроизводят со всей строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие сменяет игривую красоту прошлых лет, стирая любые напоминания о средневековье. На всех картинах отчетливо прослеживается классическое начало.
Не зря творцов Высокого Возрождения называют титанами, они вырвали образ человека из условных цеховых рамок. Ни одна эпоха не может сравниться с этим временем по высоте достижений. Основными сюжетами работ этого времени стали библейские мотивы, сотворение мира, зарождение и раннее христианство. Искусство Высокого Возрождения жизнеутверждающе по сути и остается верным традициям реализма.
Искусство Высокого Ренессанса отрешается от частностей, незначительных подробностей во имя обобщенного образа, во имя стремления к гармоничному синтезу прекрасных сторон жизни. В этом одно из главных отличий Высокого Возрождения от раннего.
Леонардо да Винчи (1452-1519) явился первым художником, наглядно воплотившим это отличие. Он родился в Анкиано, около селения Винчи; отец его был нотариусом, перебравшимся в 1469 г. во Флоренцию. Первым учителем Леонардо был Андреа Вероккио. Фигура ангела в картине учителя «Крещение» уже отчетливо демонстрирует разницу в восприятии мира художником прошлой эпохи и новой поры: никакой фронтальной плоскостности Вероккио, тончайшая светотеневая моделировка объема и необычайная одухотворенность образа. Ко времени ухода из мастерской Вероккио исследователи относят «Мадонну с цветком» («Мадонна Бенуа», как она называлась раньше, по имени владельцев). В этот период Леонардо, несомненно, некоторое время находился под влиянием Боттичелли. Его «Благовещение» по детализации еще обнаруживает тесные связи с Кватроченто, но спокойная, совершенная красота фигур Марии и архангела, цветовой строй картины, композиционная упорядоченность говорят о мировоззрении художника новой поры, характерном для Высокого Ренессанса.
От 80-х годов XV в. сохранились две неоконченные композиции Леонардо: «Поклонение волхвов» и «Св. Иероним». Вероятно, в середине 80-х годов была создана в старинной технике темперы и «Мадонна Литта», в образе которой нашел выражение тип леонардовской женской красоты: тяжелые полуопущенные веки и едва уловимая улыбка придают лицу мадонны особую одухотворенность.
Флоренция, однако, как будто была не очень приветлива к художнику в эти годы, и в 1482 г., узнав, что герцог Миланский Лодовико Сфорца, более известный как Лодовико Моро, ищет скульптора для исполнения памятника своему отцу Франческо Сфорца, Леонардо предлагает свои услуги герцогу и уезжает в Милан. Заметим, что в письме к Моро Леонардо прежде всего перечислил свои заслуги военного инженера (устроителя мостов, фортификатора, «артиллериста», строителя судов), мелиоратора, зодчего и уже затем скульптора и живописца.
Соединяя научное и творческое начала, обладая как логическим, так и художественным мышлением, Леонардо всю жизнь занимался учеными изысканиями наравне с изобразительным искусством; отвлекаясь, он казался медлительным и оставил после себя немного произведений искусства. При миланском дворе Леонардо работал как художник, ученый техник, изобретатель, как математик и анатом. Вместе с тем, попав на службу к Моро, он кажется как бы созданным для светской жизни, подобной той, которую ведет миланский вельможа.
Укрепление и украшение миланской крепости (Castello Sforzesсо), оформление постоянных празднеств и многочисленных свадеб, научные занятия отрывали Леонардо от искусства. При всем этом миланский период, длившийся с 1482 по 1499 г., был одним из самых плодотворных в творчестве мастера, открывшим собой начало его художественной зрелости. Именно с этого времени Леонардо становится ведущим художником Италии: в архитектуре он занят проектированием идеального города, в скульптуре - созданием конного монумента, в живописи - написанием большого алтарного образа. И каждое из созданных им творений было открытием в искусстве.
Первым большим произведением, которое он исполнил в Милане, была «Мадонна в скалах» (или «Мадонна в гроте»). Это первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса, интересная еще и тем, что в ней в полной мере выразились особенности леонардовской манеры письма. Создав в изображении мадонны с младенцами Христом и Иоанном и ангелом образ обобщенный, собирательный, идеально прекрасный при сохранении всех черт жизненной убедительности, Леонардо как бы подвел итог всем исканиям эпохи Кватроченто и обратил взор в будущее.
Композиция картины конструктивна, логична, строго выверена. Группа из четырех человек образует как бы пирамиду, но жест руки Марии и указующий перст ангела создают внутри картины движение по кругу, и взгляд естественно переходит от одного к другому. От фигур мадонны и ангела исходит покой, но вместе с тем они внушают и некое чувство загадочности, беспокоящей таинственности, подчеркнутое фантастическим видом самого грота и пейзажным фоном. По сути, это уже не просто пейзажный фон, а определенная среда, в которой взаимодействуют изображенные лица. Созданию этой среды способствует и то особое качество живописи Леонардо, которое получило название «сфумато»: воздушная дымка, обволакивающая все предметы, смягчающая контуры, образующая определенную свето-воздушную атмосферу.
Самой большой работой Леонардо в Милане, высшим достижением его искусства была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет «Тайной вечери» (1495-1498). Христос в последний раз встречается за ужином со своими учениками, чтобы объявить им о предательстве одного из них. «Истинно говорю вам, один из вас предаст меня». Леонардо изобразил момент реакции всех двенадцати на слова учителя. Эта реакция различна, но в картине нет никакой внешней аффектации, все полно сдержанного внутреннего движения. Художник много раз менял композицию, но не изменил главному принципу: в основу композиции положен точный математический расчет. За длинным столом, параллельно линии холста сидят тринадцать человек: двое -в профиль к зрителю по бокам стола, а одиннадцать-лицом. Замком композиции является фигура Христа, помещенная в центре, на фоне дверного проема, за которым открывается пейзаж; глаза Христа опущены, на лице покорность высшей воле, печаль, сознание неизбежности ожидающей его судьбы. Остальные двенадцать человек разбиты на четыре группы по три человека в каждой. Все лица освещены, за исключением лица Иуды, обращенного в профиль к зрителю и спиной к источнику света, что отвечало замыслу Леонардо: выделить его среди остальных учеников, сделать почти физически ощутимой его черную, предательскую суть.

4. Высокое Возрождение (конец 15 в. - первые 20 лет 20 в.)
Золотой период Высокого Возрождения - довольно короткий и в то же время один из самых значительных периодов в искусстве Европы. Его расцвет пришелся на последнее десятилетие 15 и первые десятилетия 16 века. Именно в эти годы родились на свет величайшие творения настоящих титанов Возрождения.
Ярчайшие представители Высокого Возрождения: Леонардо Да Винчи, Якопо Сансовино, Микеланджело Буонаротти, Антонио Корреджо, Рафаэль Санти, Джорджоне, Тициан. Именно они творили культуру Италии и Европы во времена влияния на искусство Римского Папы Юлия II, человека весьма честолюбивого, предприимчивого и смелого, сумевшего собрать ко двору лучших художников.
Особенности Высокого Возрождения
Первое, что стоит отметить в работах этого периода - чрезвычайное расширение кругозора авторов. Меняется представление о человеке и месте его в этом мире. Художники Высокого Возрождения уходят от прежних устоев. Теперь они творческие создатели, люди культуры, заставляющие считаться с собой даже самых аристократичных представителей общества.
Главным мотивом искусства во всех работах времени Высокого Возрождения является образ гармонически развитого прекрасного человека, совершенного как физически, так и духовно, наполненного жизнью, титанической мощью, значительностью и при этом не отвлеченного от действительности.
Художественный образ Высокого Возрождения
При Юлии II Рим становится чем-то вроде новых Афин времен Перикла. Художники уделяют все свое внимание изучению античности, ее воспроизводят со всей строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие сменяет игривую красоту прошлых лет, стирая любые напоминания о средневековье. На всех картинах отчетливо прослеживается классическое начало.
Не зря творцов Высокого Возрождения называют титанами, они вырвали образ человека из условных цеховых рамок. Ни одна эпоха не может сравниться с этим временем по высоте достижений. Основными сюжетами работ этого времени стали библейские мотивы, сотворение мира, зарождение и раннее христианство. Искусство Высокого Возрождения жизнеутверждающе по сути и остается верным традициям реализма.
Рафаэль (1483-1520) является одним из самых ярких гениев Высокого Возрождения. Он пережил трудное детство, рано лишившись матери и отца. Однако затем судьба, не скупясь, ему давала все. что он хотел, - многочисленные заказы, огромный успех и громкую славу, богатство и почет, всеобщую любовь, включая любовь женщин. Восхищенные почитатели называли его «божественным». Однако давно замечено, что судьба капризна и непредсказуема. Оттого, кого она слишком щедро осыпает дарами, она может вдруг отвернуться. Именно так случилось с Рафаэлем: в расцвете жизненных и творческих сил он неожиданно умер.
Рафаэль был архитектором и живописцем. Вслед за Браманте он участвовал в проектировании и сооружении собора св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо в Риме. Однако невиданную славу ему принесла живопись.
В отличие от Леонардо Рафаэль полностью принадлежал своему времени. В его произведениях нет ничего странного, таинственного и загадочного. В них все ясно и прозрачно, все прекрасно и совершенно. Он с наибольшей силой воплотил положительный идеал прекрасного человека. В его творчестве царит жизнеутверждающее начало.
Главной темой его творчества стала тема Мадонны, которая нашла у него непревзойденное, идеальное воплощение. Именно ей посвятил Рафаэль одно из ранних своих произведений - «Мадонна Конестабиле», где Мадонна изображена с книгой, которую листает младенец. Уже в этом полотне ярко проявились важные художественные принципы великого художника. Мадонна лишена святости, она выражает не только материнскую любовь, но воплощает собой идеал прекрасного человека. В картине все отмечено совершенством: композиция. цветовая гамма, фигуры, пейзаж.
За этим полотном последовала целая серия вариаций на ту же тему - «Мадонна со щегленком», «Прекрасная садовница». «Мадонна среди зелени», «Мадонна с безбородым Иосифом», «Мадонна под балдахином». А. Бенуа определил эти вариации как «чарующие живописные сонеты». Все они возвышают и идеализируют человека, воспевают красоту, гармонию и изящество.
После некоторого перерыва, когда Рафаэль был занят фресковыми росписями, он вновь возвращается к теме Мадонны. В некоторых ее изображениях он как бы варьирует ранее найденные модели. Таковыми, в частности, являются «Мадонна Альба» и «Мадонна в кресле», композиция которых подчинена круглому обрамлению. В то же время он создает и новые типы изображения Мадонны.
Вершиной в развитии темы Богоматери явилась «Сикстинская Мадонна». ставшая настоящим гимном физического и духовного совершенства человека. В отличие от всех других Мадонн Сикстинская выражает неисчерпаемый человеческий смысл. Она сочетает в себе земное и небесное, простое и возвышенное, близкое и недоступное. На ее лице можно прочитать все человеческие чувства: нежность, робость, тревогу, уверенность, строгость, достоинство, величие.
Главным среди них, по мнению Винкельмана, являются «благородная простота и спокойное величие». В картине царит мера, уравновешенность и гармония. Ее отличают плавные и закругленные линии, мягкий и мелодичный рисунок, богатство и сочность колорита. Сама Мадонна излучает энергию и движение. Этим произведением Рафаэль создал самый возвышенный и поэтический образ Мадонны в искусстве Ренессанса.
БРАМАНТЕ, Донато -
(Bramante, Donato. 1444-1514) итальянский архитектор и живописец, основоположник и крупнейший представитель архитектуры Высокого Возрождения. Его самой известной работой является главный храм западного христианства - базилика Святого Петра в Ватикане. Родился в Монте-Аздруальдо, ныне Ферминьяно, близ Урбино. Юность провел в Урбино. Начинал как живописец. В 1476 г. был приглашен в Милан ко двору герцога Лодовико Моро, где встретился с Леонардо да Винчи, чьи идеи в области градостроительства оказали на него большое влияние. Браманте создал фрески в городском дворце Бергамо (1477 г.). В Милане Браманте проработал 20 лет. Он возвел несколько зданий, например, алтарную часть церкви Санта-Мария делле Грацие (1492-1497 гг.), создал хор и светлое просторное средокрестие, увенчанное лёгким куполом; цельность замысла сочетается здесь с традиционной для зодчества Ломбардии декоративностью. Ему принадлежит и основной замысел собора в Павии (1488-1492 гг.), с куполом, высоко поднятым на 8 стройных столбах над обширным средокрестием. С 1499 г. после захвата Милана французскими войсками переехал в Рим. Здесь искусство Браманте приобрело классическую чистоту и монументальность. Оригинальна композиция дворика церкви Санта-Мария делла Паче (1500-1504 гг.), столбы которого в нижнем ярусе несут аркаду, а в верхние, перемежаясь с коринфскими колонками, завершаются архитравным перекрытием. Наибольшей пластической цельности он достиг в маленькой часовне-ротонде Темпьетто (1502 г.) во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио. При папе Юлии II стал главным папским архитектором; с 1503 г. вел по поручению Юлия II обширные работы в Ватикане. До конца жизни Браманте проектировал и строил грандиозный собор св. Петра в Риме (с 1505 г.). Им было предложено центрическое сооружение с планом в виде вписанного в квадрат равноконечного креста, с мощным сферическим куполом над средокрестием, 4 малыми куполами и башнями по углам. По своей красоте и величию собор должен был затмить все существовавшие к тому времени христианские храмы. Проект не был осуществлен, но его идеи воплотились во многих центрально-купольных зданиях Италии и других стран. Браманте успел возвести храм до высоты арок. Творчество Браманте - одна из вершин архитектуры Возрождения. Его архитектурные сооружения - гармоничные, цельные, смелые по пространственной композиции. В комплексе Ватиканского дворца находятся две постройки Браманте - дворы Бельведера (1503-1545 гг.) и Сан Дамазо (ок. 1510 г.). Умер в Риме. В честь Браманте назван кратер на Меркурии. Творчество Браманте - одна из вершин архитектуры Возрождения. Браманте создал архитектурные образы, замечательные гармоничным совершенством и цельностью, свободным, творческим применением классических форм.
5. Золотой период Высокого Возрождения - довольно короткий и в то же время один из самых значительных периодов в искусстве Европы. Его расцвет пришелся на последнее десятилетие 15 и первые десятилетия 16 века. Именно в эти годы родились на свет величайшие творения настоящих титанов Возрождения.
Ярчайшие представители Высокого Возрождения: Леонардо Да Винчи, Якопо Сансовино, Микеланджело Буонаротти, Антонио Корреджо, Рафаэль Санти, Джорджоне, Тициан. Именно они творили культуру Италии и Европы во времена влияния на искусство Римского Папы Юлия II, человека весьма честолюбивого, предприимчивого и смелого, сумевшего собрать ко двору лучших художников.
Особенности Высокого Возрождения
Первое, что стоит отметить в работах этого периода - чрезвычайное расширение кругозора авторов. Меняется представление о человеке и месте его в этом мире. Художники Высокого Возрождения уходят от прежних устоев. Теперь они творческие создатели, люди культуры, заставляющие считаться с собой даже самых аристократичных представителей общества.
Главным мотивом искусства во всех работах времени Высокого Возрождения является образ гармонически развитого прекрасного человека, совершенного как физически, так и духовно, наполненного жизнью, титанической мощью, значительностью и при этом не отвлеченного от действительности.
Художественный образ Высокого Возрождения
При Юлии II Рим становится чем-то вроде новых Афин времен Перикла. Художники уделяют все свое внимание изучению античности, ее воспроизводят со всей строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие сменяет игривую красоту прошлых лет, стирая любые напоминания о средневековье. На всех картинах отчетливо прослеживается классическое начало.
Не зря творцов Высокого Возрождения называют титанами, они вырвали образ человека из условных цеховых рамок. Ни одна эпоха не может сравниться с этим временем по высоте достижений. Основными сюжетами работ этого времени стали библейские мотивы, сотворение мира, зарождение и раннее христианство. Искусство Высокого Возрождения жизнеутверждающе по сути и остается верным традициям реализма.
Микеланджело Буонарроти (Michelangelo Buonarroti; иначе - Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони) (6.3.1475, Капрезе, ныне Капрезе-Микеланджело, Тоскана, - 18.2.1564, Рим), итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт. В произведениях Микеланджело, во многом определивших развитие европейского искусства как 16 в., так и последующих столетий, отразились с наибольшей силой не только глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, но и трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания, характерное для культуры Позднего Возрождения.
Уже в юношеских произведениях [рельефы "Мадонна у лестницы", "Битва кентавров", оба мрамор (как и все последующие скульптурные произведения Микеланджело), около 1490-92, Каса Буонарроти, Флоренция] вырисовываются главные черты творчества Микеланджело - монументальность, пластическая мощь и драматизм образов, благоговение перед красотой человека.
В Риме Микеланджело создаёт статую "Вакх" (1496-97, Национальный музей, Флоренция), отдавая своеобразную дань увлечению античными памятниками, и группу "Оплакивание Христа" (1498-1501, собор св. Петра, Рим), где вкладывает в традиционную готическую схему новое, гуманистическое содержание, выражающее скорбь молодой и прекрасной женщины о погибшем сыне.
В 1501 Микеланджело возвращается во Флоренцию и работает над произведениями, символизирующими доблесть граждан республики, сбросивших ярмо тирании Медичи. Колоссальная статуя Давида (1501-04, Галерея АХ, Флоренция) рождает представление о грозной силе (эту особенность работ Микеланджело современники называли terribilita), о героическом порыве, сдерживаемом могучим напряжением воли.
В картоне для росписи Палаццо Веккьо ("Битва при Кашине", 1504-1506, композиция Микеланджело известна по копиям). Микеланджело стремился показать готовность граждан встать на защиту республики.
В 1505 папа Юлий II призывает Микеланджело в Рим, где ему поручается создание надгробия папы; работы затянулись, проекты менялись, и сооружение (лишь фрагмент задуманного Микеланджело величественного скульптурно-архитектурного комплекса) было завершено только в 1545. Для надгробия Микеланджело создал ряд статуй, в том числе "Моисея" (1515-16, церковь Сан-Пьетро ин Винколи, Рим), ставшего центральным элементом последнего, осуществленного варианта. Моисей Микеланджело - титаническая личность, наделённая могучим темпераментом и столь же могучей волей; здесь Микеланджело впервые вводит в скульптуру временной аспект: при обходе статуи создаётся впечатление постепенно нарастающего движения фигуры, соответствующего росту напряжения образа. Также для надгробия предназначались две статуи рабов (т. н. "Восставший раб" и "Умирающий раб", обе - 1513-16, Лувр, Париж), задуманные как противопоставление прекрасного и сильного юноши, пытающегося разорвать путы, столь же прекрасному юноше, бессильно повисающему в них, и четыре статуи рабов, которые остались незавершёнными (около 1532-1534, Галерея АХ, Флоренция) и по которым хорошо виден процесс работы Микеланджело над изваянием; скульптор не обрабатывает блок равномерно со всех сторон, но как бы видя в ещё не отёсанном камне будущее произведение, углубляется в блок в одних местах, оставляя другие почти не обработанными. Такой метод работы практически исключает участие помощников.
Монументальные живописные циклы Микеланджело также выполнял почти без посторонней помощи; это относится и к самому грандиозному живописному произведению Микеланджело - росписям потолка Сикстинской капеллы Ватикана (1508-12). В сложной идейной программе плафона выделяются следующие темы: сцены из библейской книги Бытия, начиная с "Отделения света от тьмы" и кончая "Опьянением Ноя", пророки и сивиллы по боковым сторонам свода, наконец, в парусах свода, распалубках и люнетах - предки Христа и эпизоды из Библии (чудесные избавления иудеев). Величественное декоративное единство всей гигантской росписи в целом; фрески воспринимаются как гимн физической и духовной красоте человека, как утверждение его безграничных творческих возможностей.
В 1520-х гг. мироощущение Микеланджело приобретает трагический оттенок. Главный труд этих лет - возведение и украшение статуями Новой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, усыпальницы рода Медичи (1520-34). Две статуи умерших герцогов лишены портретных черт: это идеальные образы, олицетворяющие активную и созерцательную жизнь. У их ног расположены попарно четыре статуи, изображающие времена суток, - символы быстротекущего времени, олицетворяющие кризис ренессансных идеалов, поглотивший М.
Во время осады Флоренции войсками императора и папы (1529) республика назначает Микеланджело главой фортификационных работ. После падения города Микеланджело работает над завершением капеллы Медичи, а в 1534 навсегда переезжает в Рим. Последние тридцать лет жизни Микеланджело ознаменованы постепенным отходом его от скульптуры и живописи и обращением преимущественно к зодчеству и поэзии. В Риме Микеланджело пишет огромную фреску "Страшный суд" на алтарной стене Сикстинской капеллы (1536-41); в этой композиции, заполненной лавиной сверхъестественно мощных нагих тел, центральное место занимает юный и героически прекрасный Христос - беспощадный судья над человечеством. Мучительным трагизмом веет и от фресок капеллы Паолина в Ватикане ("Распятие Петра" и "Обращение Павла", 1542-1550), отчасти предвосхищающих росписи барокко. До последних дней жизни Микеланджело занимался ваянием, однако "Оплакивание Христа", исполненное им для собственного надгробия, было им разбито (собрано и завершено учеником Микеланджело - Т. Кальканьи; до 1550-55, собор Санта-Мария дель Фьоре, Флоренция), а т. н. "Пьета Ронданини" (1555-64, Музей старинного искусства, Милан) осталась в стадии первоначальной обработки. В этих произведениях с особой силой отразились спиритуалистические настроения старого Микеланджело.
Но в поздний период Микеланджело занимают прежде всего не изобразительные виды искусства, а грандиозные строительные задачи. В архитектуре Микеланджело господствует пластическое начало; в создании динамических контрастов масс большую роль играют напряжённый, насыщенный светотенью рельеф стены, сильно выступающие пилястры, пластически выразительные наличники, "большой ордер". Постройки Микеланджело подготавливают почву для барокко, однако их величественная тектоничность остаётся чисто ренессансной чертой. Ещё в 1523-34 Микеланджело воздвигает здание библиотеки Лауренцианы во Флоренции (к 1568 по его модели был завершен вестибюль библиотеки с лестницей, органической динамикой своей композиции вызывающей представление о потоке лавы).
С 1546 и до конца жизни главным трудом Микеланджело было возведение собора св. Петра и строительство ансамбля Капитолия в Риме - духовного и светского центров "вечного города" (обе работы завершены по планам Микеланджело после его смерти). По замыслу Микеланджело площадь Капитолия обрела трапециевидный план; она замыкается дворцом Консерваторов, симметрично фланкируется двумя дворцами по бокам, к открытой её стороне ведёт широкая лестница, а в центре возвышается античный конный монумент Марка Аврелия. На Капитолии Микеланджело впервые создал площадь, раскрытую к пространствам города, продемонстрировав глубокое понимание законов оптического восприятия архитектуры. Строя собор св. Петра, Микеланджело сохранил принцип центричности, характерный для плана Браманте, но добился большой слитности композиции и безусловного преобладания пространства средокрестия над остальными частями.
При жизни Микеланджело была воздвигнута восточная часть собора с тамбуром грандиозного купола, а сам купол был возведён после смерти Микеланджело Джакомо делла Порта, несколько удлинившим его пропорции. В старости Микеланджело всё чаще обращался к поэзии. Лирика Микеланджело отличается глубиной мысли и высоким трагизмом; в ней Микеланджело рассказывал о любви, трактуемой как извечное стремление человека к красоте и гармонии, об одиночестве художника во враждебном мире, о горьких разочарованиях гуманиста при виде торжествующего насилия. Излюбленные стихотворные формы Микеланджело - мадригал и сонет; при жизни автора они не публиковались, хотя высоко ценились современниками (Б. Варки, Ф. Берни и др.). Первое издание "Стихотворений" Микеланджело было осуществлено в 1623.
Творчество Микеланджело явилось одним из факторов, стимулировавших развитие маньеризма, но, в отличие от маньеристов, односторонне понимавших его наследие, сам Микеланджело сумел до конца сохранить и выразить в своих произведениях любовь к человеку и веру в его величие и красоту.
6. Золотой период Высокого Возрождения - довольно короткий и в то же время один из самых значительных периодов в искусстве Европы. Его расцвет пришелся на последнее десятилетие 15 и первые десятилетия 16 века. Именно в эти годы родились на свет величайшие творения настоящих титанов Возрождения.
Ярчайшие представители Высокого Возрождения: Леонардо Да Винчи, Якопо Сансовино, Микеланджело Буонаротти, Антонио Корреджо, Рафаэль Санти, Джорджоне, Тициан. Именно они творили культуру Италии и Европы во времена влияния на искусство Римского Папы Юлия II, человека весьма честолюбивого, предприимчивого и смелого, сумевшего собрать ко двору лучших художников.
Особенности Высокого Возрождения
Первое, что стоит отметить в работах этого периода - чрезвычайное расширение кругозора авторов. Меняется представление о человеке и месте его в этом мире. Художники Высокого Возрождения уходят от прежних устоев. Теперь они творческие создатели, люди культуры, заставляющие считаться с собой даже самых аристократичных представителей общества.
Главным мотивом искусства во всех работах времени Высокого Возрождения является образ гармонически развитого прекрасного человека, совершенного как физически, так и духовно, наполненного жизнью, титанической мощью, значительностью и при этом не отвлеченного от действительности.
Художественный образ Высокого Возрождения
При Юлии II Рим становится чем-то вроде новых Афин времен Перикла. Художники уделяют все свое внимание изучению античности, ее воспроизводят со всей строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие сменяет игривую красоту прошлых лет, стирая любые напоминания о средневековье. На всех картинах отчетливо прослеживается классическое начало.
Не зря творцов Высокого Возрождения называют титанами, они вырвали образ человека из условных цеховых рамок. Ни одна эпоха не может сравниться с этим временем по высоте достижений. Основными сюжетами работ этого времени стали библейские мотивы, сотворение мира, зарождение и раннее христианство. Искусство Высокого Возрождения жизнеутверждающе по сути и остается верным традициям реализма.
Тициан (собственно Тициано Вечеллио) родился в 1476-77 гг. (согласно другим источникам - в 1480-е гг.). Тициан происходил из старинного рода небольшого городка Пьеве ди Кадоре, расположенного в Альпах. В возрасте 9-10 лет проявил склонность к рисованию и был отправлен в Венецию учиться. Учился у нескольких мастеров, в том числе у Джованни Беллини, в мастерской которого он сблизился с Джорджоне. Около 1508 г. он помогает Джорджоне в исполнении росписей Немецкого подворья в Венеции.
Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Тициан является одним из основоположников монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим значительное воздействие на ее развитие в XVII столетии. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты - со сценами ликующей радости, религиозные композиции - с мифологическими и историческими картинами.
Долгая жизнь Тициана делится на четыре творческих периода. Ранний период (до 1519 г.) проникнут спокойным, радостным настроением, ощущением счастливой полноты жизни. Работы, относящиеся к началу 1510-х гг. («Христос и грешница», Художественная галерея, Глазго), обнаруживают близость искусству Джорджоне, чьи незаконченные картины он в это время дописывал. К середине 1510-х гг., после внимательного изучения творчества Рафаэля и Микеланджело, Тициан вырабатывает самостоятельный стиль («Флора», «Динарий кесаря»). Художника привлекают образы пышной женской красоты, как например, в самой известной картине этого периода «Любовь земная и небесная». Картина радует превосходной живописью, особенно в изображении великолепного обнаженного женского тела и роскошных тканей. Слава Тициана росла, вскоре он стал известен за пределами Италии.
В конце 1510-х-1530-е гг. в творчестве Тициана наступает новый период, связанный с общественным и культурным подъемом Венеции. В этот период художник создает исполненные пафоса монументальные алтарные образы («Вознесение Марии (Ассунта)», «Мадонна семьи Пезаро»), картины на евангельские сюжеты («Положение во гроб», 1520-е гг., Лувр, Париж), мифологические композиции («Вакх и Ариадна», «Венера Урбинская»).
Конец 1530-х-1540-е гг. - время расцвета портретного искусства Тициана. Среди лучших его портретов - «Папа Павел III», «Карл V в сражении при Мюльберге», «Пьетро Аретино». Наряду с одиночными художник создает и групповые портреты («Папа Павел III с Алессандро и Оттавио Фарнезе»).
Тициан пользовался огромной популярностью. Ему покровительствовали многие влиятельные лица как в Италии, так и в других европейских странах. Германский император Карл V пожаловал Тициану титул «графа Палатинского», звание государственного советника и высший сан «Рыцаря золотой шпоры со знаком Меча и Цепи». Наследник престола Филипп II также покровительствовал художнику и даже назначил ему пенсию.
В Тициане гениальность художника сочеталась с расчетливостью венецианского купца. Он успешно вел коммерческие дела, управлял множеством домов, поместий и вилл, производил финансовые операции. О Тициане ходила слава очень алчного человека. Однако в личной жизни он являл образец высокой нравственности. Женившись в 1525 г. на некоей Цецилии (уже имевшей от него двоих детей), он потерял ее через пять лет и так и прожил один до конца своих дней..
С середины XVI в. начался поздний период творчества Тициана. В эти годы он исполняет целый ряд мифологических композиций («Даная», «Венера и Адонис», «Воспитание Амура», «Венера перед зеркалом», «Похищение Европы»), обращается к религиозным сюжетам («Св. Иероним», «Кающаяся Мария Магдалина»). В этих произведениях художник достиг не только вершин живописного мастерства, но и величайших глубин в истолковании мифологических и религиозных тем.
Тициана волнует трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий («Коронование терновым венцом»). Этой же теме посвящена последняя большая алтарная картина Тициана - «Оплакивание Христа».
Тициан умер от чумы 27 августа 1576 г. Похоронен в капелле церкви Санта-Мария Глориоза деи Фрари, для которой в свое время он написал алтарный образ «Вознесение Марии».
Джорджоне родился в 1477 г. Живописи обучался в Венеции, у Джованни Беллини. Был близок к кругу венецианских гуманистов. Славился также как певец и музыкант. В 1507-1508 гг. участвовал в украшении Дворца дожей, расписывал фресками Немецкое подворье в Венеции (сохранился фрагмент с изображением женской фигуры).
Ранние работы художника посвящены преимущественно библейским мотивам («Поклонение пастухов», «Поклонение волхвов», «Юдифь»). Джорджоне исполняет алтарный образ «Мадонна Кастельфранко».
Джорджоне - художник тонкой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. Музыка, меланхолия, созерцательное настроение - естественное содержание его картин, в которых как будто нет сюжета, нет и активного действия, но присутствует порой сложный подтекст. Вместе с тем творчество Джорджоне человечно, полно пленительной красоты, сохраняет вечную волнующую привлекательность. Главную роль в его живописи играет колорит с многообразием тонов и их мягкими переливами. Герои Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в свой внутренний мир. Его полные жизни произведения светского характера навеяны античной мифологией, аллегориями или литературными произведениями («Пейзаж»). Знаменитая «Гроза» полна таинственной поэтичности, которой подчинены не столько люди, сколько сама природа, напряженно застывшая в ожидании грозы. Впервые в истории живописи пейзаж играет столь важную роль в картине, как бы отражая душевное состояние героев. Единство человека и природы воплощено и в ранней картине «Три философа», и в более позднем чудесном «Сельском концерте», где в спокойный пейзаж с округлыми купами деревьев под облачным небом вписана группа из юношей-музыкантов и обнаженных женщин.
Джорджоне известен также как автор интимно-лирических портретов («Портрет юноши», «Страстный певец», «Портрет молодой женщины» («Лаура»), «Портрет А. Броккардо»).
Кисти Джорджоне принадлежит самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения - «Спящая Венера». В расцвете творческих сил мастер умер от чумы в 1510 г., не успев завершить свою великую картину, Тициан дописал в ней пейзаж.
7. Позднее Возрождение
Третий период Возрождения, так называемый период «позднего Ренессанса», отличается каким-то страстным, беспокойным стремлением художников совсем произвольно, без разумной последовательности, разрабатывать и комбинировать античные мотивы, добиваться мнимой живописности утрировкой и вычурностью форм. Признаки этого стремления, породившего стиль барокко, а затем, в XVIII столетии, стиль рококо, выказывались ещё в предшествовавшем периоде в значительной степени по невольной вине великого Микеланджело, своим гениальным, но слишком субъективным творчеством давшего опасный пример крайне свободного отношения к принципам и формам античного искусства; но теперь направление это делается всеобщим.
Понятие ренессансного гуманизма в узком и широком смысле слова. Гуманизм в эпоху Возрождения значил не то, что сейчас: в узком смысле это занятие “гуманистическими штудиями”, т.е. Грамматикой, риторикой, историей, моралью и философией, обязательно на основе греко-римской образованности. Гум. в широком смысле слова - изучение всей полноты человеческой природы, как противоположности животного мира. Только тот человек, кто преодолел в себе природную дикость. Гуманисты стремились противопоставить средневековой концепции личности свою: признание за человеком права своими силами утверждать свое “я” в мире. Считалось, что возможности человека безграничны. Человек - смертный бог (оксюморон). Этот миф полнее всего выражен в искусстве Высокого Возрождения. Главная тема Выс. Возр. в Италии - прославление красоты и достоинства человека. Это воскрешало принцип единства прекрасного и доброго. Человек - в центре мира.
Понятие гуманизма сочеталось с понятием гармонии. Мир и природа в средние века считались силами, которые мешаю человеку соединиться с Богом. В Ренессансе наоборот, поэтизация мира, гармонии человека и мира => убежденность в том, что в мире будут господствовать разум и просвещенность, где человек сможет осуществить себя. Возникали ренессансные утопии, напр, миры рассказчиков “Декамерона”. Они сильно отличались от, например, “Утопии” Мора. У последнего - не счастье индивида, а благополучие целого, строгая регламентация, фантастический мир, у Рабле и Боккаччо - стремление вписать идеальное общество в реальное пространство. Вот это и называется ренассансной утопией. Возникла она из-за убежденности, что “золотой век”, “полнота времен” уже наступила. Это библейское выражение в Средние века применялось для Царства Божия, в Ренессанс - для настоящего времени. Идеальный город - город, где жизнь человека очищена от беспорядков и представлена во всей полноте. Он видится как возможный, построенный. А потом - крах иллюзий.
Архитектура
Творчество северо-итальянского архитектора Андреа Палладио (1508-80), основанное на глубоком изучении античной и ренессансной архитектуры, представляет собой одну из вершин в искусстве Позднего Возрождения. Палладио выработал принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма XVII-XVIII вв. и получили название палладианства. Постройки Палладио (преимущественно городские дворцы и виллы) исполнены изящной красоты и естественности, гармоничной завершенности и строгой упорядоченности, отличаются ясностью и целесообразностью планировки и органической связью с окружающей средой (палаццо Кьерикати). Умение гармонически связать архитектуру с окружающим ландшафтом с особой силой проявилось в виллах Палладио, проникнутых элегически-просветленным чувством природы и отмеченных классической ясностью и простотой форм и композиции (вилла Капра (Ротонда)). Палладио создал первое монументальное театральное здание в Италии - театр Олимпико. Влияние Палладио на развитие архитектуры последующих веков было огромным.
Живопись
Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в творчестве Паоло Веронезе. Художник-монументалист, он создал великолепные декоративные ансамбли стенных и плафонных росписей с множеством персонажей и занимательных деталей. Его росписи виллы Барбаро-Вольпи в Мазере стали одним из крупнейших достижений монументально-декоративной живописи. Художник огромного дарования, Веронезе создал собственный стиль: его зрелищные, эффектные картины полны эмоций, страсти и жизни, а герои, венецианская знать, располагаются обычно в патрицианских дворцах или на фоне роскошной природы. Они увлечены грандиозными пиршествами или феерическими празднествами («Брак в Кане»). Веронезе был мастером веселящейся Венеции, ее триумфов, поэтом ее золотого блеска. Веронезе обладал исключительным даром колориста. Его краски пронизаны светом, интенсивны и не просто наделяют предметы цветом, а сами претворяются в предмет, превращаясь в облака, ткань, тело человека. В силу этого реальная красота фигур и предметов множится на красоту цвета и фактуры, что производит на зрителя сильнейшее эмоциональное воздействие.
Полной противоположностью Веронезе был его современник Тинторетто (1518-94) - последний крупный мастер итальянского Возрождения. Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой творческой индивидуальности Тинторетто. В своем творчестве он был гигантской фигурой, творцом вулканического темперамента, бурных страстей и героического накала. Вслед за поздним Микеланджело и Тицианом Тинторетто проложил новые пути в искусстве. Недаром его творчество имело грандиозный успех и у современников, и у последующих поколений. Тинторетто отличался поистине нечеловеческой трудоспособностью, неутомимостью исканий. Он острее и глубже, чем большинство его современников, чувствовал трагизм своего времени. Мастер восстал против сложившихся традиций в изобразительном искусстве - соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности; расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Тинторетто - создатель массовых сцен, проникнутых единством переживания.
В Венеции из-за климатических условий для украшения зданий использовали не фрески, а огромные картины, написанные в технике масляной живописи. Тинторетто - мастер монументальных полотен, автор гигантского ансамбля, состоявшего из нескольких десятков работ - росписей верхнего и нижнего залов Скуола ди Сан-Рокко («Распятие»).
Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения в Италии.
8. Искусство Северного Возрождения (общая характеристика)
Северные города Европы (северные по отношению к Италии) не имели такой самостоятельности, как итальянские, они были более зависимы от власти крупного сеньора, короля или императо­ра, от всей классически развитой системы феодализма. Это несом­ненно отразилось на характере культуры Северной Европы в период Возрождения. В искусстве Северного Ренессанса больше сказалось средневековое мировоззрение. В нем больше религиозного чувства, символики, оно более условно по форме, более архаично, более связано с готикой и, естественно, менее знакомо с античностью, с которой и сблизилось только через Италию уже в конце XV в. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к итальянскому на целое столетие и начинается тогда, когда итальянский вступает в высшую фазу своего развития.
Однако северные города принимали участие в сложной соци­ально-политической борьбе, которая характерна для всей истории Северной Европы XV-XVI вв. Когда итальянские города теряют свою независимость, закаленные в постоянной борьбе с феодалами северные города сохраняют свое значение и в конце XVI, и в XVII в. и становятся очагами прогрессивных движений в период сложения национальных абсолютистских государств.
Напомним также, что переход от средневековья к Новому времени происходил не т........




Перейти к полному тексту работы


Скачать работу с онлайн повышением уникальности до 90% по antiplagiat.ru, etxt.ru или advego.ru


Смотреть похожие работы


* Примечание. Уникальность работы указана на дату публикации, текущее значение может отличаться от указанного.